LA CANCIÓN DE TRISTAN.

Regalo envenenado. Leyendas de Conan (5)

2012-01-29T17:35:00.000+01:00

Es de sobras conocida la predilección que Roy Thomas, guionista de Conan the Barbarian, tenía por la literatura clásica y más concretamente por la figura de Homero. Por eso aprovechó el paso de Conan por tierras hyrkanias para hacer un remedo de las guerras troyanas. El ciclo del asedio a Makkalet - llamado también La guerra de Tarim - termina de una manera muy homérica con un asalto a la ciudad a través de un pasadizo secreto que desemboca en el vientre de una gigantesca estatua de un caballo alado...

Tras la victoria del ejercito turanio del rey Yildiz comandado por su hijo Yezdigerd obsesionado en una guerra de conquista por todo el continente, Conan se enrola en la fuerza turania de la retaguardia intentando no tropezarse con el príncipe al que ha desfigurado en su primer encontronazo. Después de diversas aventuras lejos de los reinos hyrkanios, el cimmerio regresa a la capittal a lomos de un desbocado caballo. Allí es destinado a la menguante guardia real que se resiente de las aportaciones hechas al ejercito conquistador. Tras los agotadores viajes a Conan no le importa reposar en el palacio real donde perfeccionará sus habilidades guerreras y de seducción.

¡Cuidado con los hyrkanios que traen regalos! es el nº 36 de la colección Conan the Barbarian de marzo de 1974 y el título es una adaptación de la famosa frase de Virgilio en la Eneida sobre la Guerra de Troya: "Temo a los griegos incluso cuando traen regalos" en referencia al Caballo de Troya regalo envenenado que causará la destrucción de la ciudad asediada.
En esta historia del bárbaro creado por R.E.Howard el presente es una tosca e impresionante estatua de un dios oscuro con figura humana al que le falta la cabeza. El guión original de Roy Thomas hace un guiño a la historia clásica pero le aporta otra vuelta de tuerca.

La estatua no es un regalo de las tropas enemigas al rey Yildiz sino un presente enviado por su hijo como derecho de conquista de la primera de dos ciudades aliadas. Cuando la segunda cuidad cae el príncipe Yezdigerd envía a Aghrapur la cabeza para completar la estatua. El rey hace de la unión de las dos partes del monumento una ceremonia simbólica de su poderío; con unos sacerdotes enemigos y la guarnición del palacio real presentes. Al unirse las dos partes la estatua cobra vida y amenaza con causar una masacre que Conan detiene al darse cuenta que los sacerdotes cautivos tienen su papel en la brujería. Finalmente el rey Yildiz se marcha pensativo y preocupado por la sospecha que su hijo le ha mandado un regalo envenenado.

Pese a su sencilez y a su aparente condición de episodio de relleno ¡Cuidado con los hyrkanios que traen regalos! me parece una de las mejores historias de Conan el bárbaro precisamente por no seguir la estructura clásica de los relatos de espada y brujería, también porque las intrigas palaciegas son interesantes y porque los secundarios tiene su papel en la historia enriqueciendo como nunca el universo hiborio. Destaca con luz propia el personaje de Amytis presente en varios episodios de la colección del cimmerio.

El equipo artístico formado por John Buscema y Ernie Chan (aquí aún con su apellido Chua) empieza a consolidarse en la serie realizando un trabajo impecable destacando por su narrativa limpia, clara y concisa y por la espectacular página de inicio que será una de las marcas distintivas del comic book. El resultado de una buena historia y una buena realización gráfica es este episodio que puede situarse entre los mejores de toda la colección.

Las próximas entradas dedicadas al universo de Conan el bárbaro servirán para establecer un ranking de sus mejores historias adaptadas al comic. Ya he ido dejando algunas pistas en posts anteriores.
Salut!

Etta James (1938-2012) D.E.P.

2012-01-20T21:18:00.000+01:00

Jamesetta Hawkins ha muerto. Conocida como Etta James, la cantante destacó en todos los aspectos de la música negra especialmente en el blues. Su voz única e inimitable ha resonado poderosa desde 1954. Nos ha dejado una de las más grandes figuras de la música popular de los últimos 50 años. D.E.P.

El cartel del Saló.

2012-01-12T13:30:00.000+01:00

Éste es el cartel de la 30 edición del Saló Internacional del Còmic de Barcelona obra de Paco Roca. Esta edición se celebrará del 3 al 6 de mayo, estará dedicada a los robots y contará con la asistencia de Guy Delisle, Milo Manara y el creador de Mazinger Z, Go Nagai. Como curiosidad el Saló anuncia que todos los que cumplan 30 años en 2012 entraran gratis para conmemorar el trigésimo aniversario de la muestra barcelonesa.

Las portadas del mes. Enero.

2012-01-06T19:00:00.000+01:00

Con un poquito más de retraso de lo habitual os entrego la selección de diez portadas para este primer mes de 2012. Entre ellas un pequeño homenaje al recientemente fallecido Jerry Robinson entre otros artistas de todas las épocas y latitudes. Las portadas de enero; espero que os gusten.

Piracy #5 Bernard Krigstein.

Blue Bolt #108 L.B.Cole.

2.000 A.D. #27 Brian Bolland.

Xenozoic tales #10 Mark Schultz.

Fierro #35 El Tomi.

Mundo Futuro #34 Boixcar.

Men in action #8 Jerry Robinson.

Hellblazer #71 Glenn Fabry.

V60 Selection été. Georges Pichard.

The Savage Sword of Conan #5 Boris Vallejo.

Hasta aquí las diez escogidas del mes de enero. Nos espera un año entero lleno de buenas portadas.
Salut!

¡¡¡Feliz Año Nuevo!!!

2011-12-31T23:55:00.000+01:00

Con la inestimable ayuda del gran Matt Baker.

Cuarto aniversario.

2011-12-26T18:22:00.000+01:00

El día de Sant Esteve de 2007 empecé la aventura de este blog y hoy 26 de diciembre de 2011 se cumplen 4 años. Un milagro que me ha permitido compartir mi afición con todos vosotros.

Y a partir de ahora ya sabéis aquello de... ¡No hay quinto malo!

FELICITACIÓN.

2011-12-23T19:02:00.000+01:00

Con la inestimable ayuda del gran Will Eisner.

Las tiras diarias de The Spirit en NT!.

2011-12-18T15:00:00.000+01:00

Si queréis leer las dos primeras historias en castellano de las tiras diarias de The Spirit de Will Eisner & Co. casi completas las podéis encontrar aquí, aquí también y por último aquí mismo en el blog No trespassing!. Digo casi completas ya que el material está extraido de la revista Totem Calibre 38 # 7 y - por error supongo - se omiten 9 tiras respecto a la edición correspondiente al # 25 del The Spirit Archives..

Estas daily strips corresponden al período inicial de la serie agrupadas en dos arcos argumentales que podrían titularse La maldición de Squire Simpson y Sphinx y Kaibash abarcando del 13 de octubre de 1941 al 10 de enero de 1942.y suponen una muestra extraordinaria del arte gráfico-narrativo de Will Eisner incluso en un formato tan limitado como la tira y una muestra de comic de género negro puro. Esperemos verlas publicadas muy pronto.

Las portadas del mes. (especial superhéroes 2)

2011-12-15T07:00:00.000+01:00

Segunda parte del post sobre las portadas de superhéroes. 10 cubiertas excelentes y diferentes. Son obras que me gustan y no responden ni a cuotas editoriales ni a grupos de presión establecidos. Sólo os pido una cosa... ¡Disfrutadlas!

The Authority #9 Bryan Hitch.

The mighty Thor #337 Walter Simonson.

The Avengers #96 Neal Adams.

Fantastic Four #243 John Byrne.

Astro City #12 Alex Ross.

Moon Knight #25 Bill Sienkiewicz.

Flash #282 Ross Andru.

Captain Midnight #9 Desconocido.

Detective Comics #745 Dave Johnson.

The Mighty Thor #39 Barry W.Smith.

Y hasta el año que viene no habrá más portadas. Pero a partir de enero nos esperan muchas más, aquí en vuestro blog. Salut!

100 razones por las que amo los tebeos. Entrada colectiva.

2011-12-09T08:30:00.003+01:00

El título lo dice todo. Álvaro Pons se inventó el post y Pablo Utatu nos ha propuesto a varios hacer nuestra versión. Sólo 100 razones por las que quiero a los comics; me parecen pocas.

01. Por la cara de tonto que se le queda a Denny Colt cuando no le salen las cosas.

02. Por Thorne Strand, P'Gell, Sand Saref, Silk Satin y Ellen.

03. Porque no hay nada mejor que releer The Spirit a la sombra de un pino.

04. ¡Por Toutatis!

05. Por el buho enamorado del legionario disfrazado de arbol que encima vuela. ¡Ésto es un amigo!

06. Por cómo el Capitán Haddock me explica la historia de su antepasado Hadoque y porque en la Luna canta: "Au claire de la Terre, mon ami Pierrot".

07. Porque Tournasol y todos los ingenieros y científicos del proyecto lunar no paran de hacer el indio.

08. Porque Willie Garvin se carga a 8 capos de la mafia para vengar a Modesty Blaise y aún se queja de que se le escape Gabriel.

09. Y por cómo llora Modesty sobre el hombro de Willie.

10. Porque Coll es el mejor humorista del comic mundial.

11. Y Franquin no le va a la zaga.

12. Por Cuto y su camarilla.

13. Por Sabor a menta.

14. Por Filstrup, Tony Tano, Menéndez, Peribañez y Redaños.

15. Por los cojones de Carlos Giménez por hacer Paracuellos y que además sea tan bueno.

16. Por los ojos de Penny Century cuando está triste.
17. Por Maggie y Hopey.

18. Por los contraluces de Ivo Milazzo y en general por sus hermosas páginas.

19. Por Dino Battaglia, TODO Dino Battaglia.

20. Por cómo narra Frank Robbins.

21. Por Pagan Lee.

22. Por cómo dibuja la nieve Alex Raymond.

23. Por cómo dibuja la lluvia Barry W. Smith.

24. Por cómo dibujan Alex Raymond y Barry W. Smith.

25. ¡Por Crom!

26. Por Más allá del Rio Negro de Thomas, Buscema y DeZuñiga.

27. Por ¡Cuidado con los regalos hirkanios!

28. Por La balada de Laza-Lanti y Sombras en Zamboula..

29. Por los maravillosos dibujos de Winsor McCay.

30. Por las extraordinarias dominicales de Krazy Kat a todo color.

31. Por Polly and her pals.

32. Porque el protagonista de Scalped se llama Dashiell Caballo Loco.

33. Por La mina del alemán perdido y El espectro de las balas de oro.

34. Por las primeras páginas de Chihuahua Pearl y por las últimas de Angel Face.

35. Por la batalla en la nieve en El general de los cabellos rubios.

36. Por Jonah Hex dibujado por DeZuñiga.

37. Por una nevada mortal sobre Buenos Aires.

38. Porque Solano López se sale en Evaristo.

39. Porque Alberto Breccia se sale en Sherlock Time, Mort Cinder, Los mitos de Cthulhu y Un tal Daneri.

40. Por La gallina degollada.

41. Por el mejor guionista de comic negro: Carlos Sampayo.

42. Por El caso Webster, El caso Fillmore y Él cuya bondad es infinita.

43. Por Héctor Germán Oesterheld...

44. Por un Concierto en do menor para arpa y nitroglicerina y por Un tiro desde las chumberas.

45. Por la Duquesa Seminova, por Morgana, por Pandora Groovesnore, por Shangai Lil y por Banshee.

46. Porque Los Escorpiones son duros de pelar... y Kord es el más venenoso de todos.

47. Por Cush, Stella y Koinsky.

48. Por Estación de nieblas y la muerte de Orfeo.

49. Porque en El octavo día alguien me cuente una historia.

50. Por Big Man.

51. Por los secundarios de Monster, sobre todo el inspector Lunge.

52. Por los niños de Monster.

53. Por Jiro Taniguchi.

54. Por Lupus.

55. Por cómo Nikopol recita a Baudelaire.

56. Porque Las falanges siempre son del Orden Negro.

57. Por cómo se pone el Joker cuando Batman le llama "bizcochito".

58. Por el Teniente Dante y su odiado Kraken.

59. Por El hombre que floreció y As times goes by.

60. Por los padres adoptivos de Frank Cappa.

61. Porque Red Dust asume su destino bajo El cielo rojo de Laramie y porque luego cruza El desierto sin luz.

62. Por Laureline, Valerian y los Shingouz.

63. Porque el Flash Gordon de Dan Barry es aún mejor que el de Alex Raymond.

64. Porque el Tarzán de Russ Manning es aún mejor que el de Hogarth, Foster, Ortíz, Buscema e incluso que el maravilloso de Joe Kubert.

65. Por William Gaines.

66. Por Johnny Craig y sus 5 gloriosos años en EC.

67. Por Bernard Krigstein y por las historias de aviación de George Evans, las de ciencia ficción de Wally Wood y las de terror de Reed Crandall.

68. Por Harvey Kurtzman, TODO Kurtzman.

¡69! Por Wanda la Perversa.

70. Porque 8 ó 9 álbumes de Thorgal son de lo mejor que se ha hecho nunca en el género de aventuras.

71. Por Jesse Bravo de Alex Toth.

72. Porque Mafalda se ríe cuando encuentra la definición de democracia en el diccionario... se ríe, se ríe y se carcajea.

73. Por cómo dibuja el silencio Moebius.

74. Porque Gwen Stacy aún está muerta ¿Aún lo está, no?

75. Porque Gil Kane, John Romita y Tony Montellaro formaron un gran equipo.

76. Porque El Blanco Humano de Milligan es magnífico.

77. Por el malo de Watchmen.

78. Por las páginas 5, 6, 7 y 8 del primer episodio de Watchmen y por la portada del segundo

79. Por El Príncipe Valiente (ya tardaba)

80. Por Aleta.

81. Por Manuel Caldas ¡Viva Val y viva Aleta!

82. Porque América se descubrió por amor.

83. Por los primeros años de Gottfredson en Mickey Mouse.

84. Por Popeye de Segar.

85. Por poder ver a Hobbes.

86. Porque incluso antes de Cristo (B.C.) los hombres se acomplejaban ante las mujeres.

87. Porque éste es un mundo extraño y conservémoslo así.

88. Por algunos Fragmentos de la Enciclopedia Délfica.

89. Por algunas Aventuras del Capitán Torrezno.

90. Por Mondo Lirondo.

91. Porque James Bond en Berlín sigue siendo un romántico.

92. Por Sunday, Amargo, Haggarth y Mathaï-Dor.

93. Por El paso del ahogado y 22 páginas de El guante de tres dedos que son la monda.

94. Porque Kingpin se lamenta: "... no hay cadáver, no hay cadaver... no hay cadaver".

95. Y Ben Urich por los "malditos cigarrillos".

96. Por Miss Lace, Burma, Raven Sherman y Dragon Lady.

97. Por el pincel de Noel Sickless y Milton Caniff.

98. Por las revistas de comics de los 80 que me inocularon el veneno.

99. Porque no hay nada mejor que hacer (vestido) que entrar un sábado por la tarde en una tienda de comics.

y 100. Por todos los blogueros y por todos sus blogs donde con pasión y acierto hablan, hablamos, de comics, tebeos, historietas, mangas, BDs, comic books, fumetti... y en especial La Cárcel de Papel y El Lector Impaciente que son los impulsores de esta divertidísima iniciativa.

Y sí; 100 razones me han parecido pocas. Salut!

Ha muerto el gran Jerry Robinson. (1922-2011)

2011-12-08T18:45:00.003+01:00

Me acabo de enterar via Entrecomics de la muerte del gran artista de los comic books Jerry Robinson cuando estaba punto de cumplir los 90 años. Robinson fue uno de los grandes maestros sino olvidados sí muy desconocidos de la primera época de la editorial DC.

Gran parte de su carrera estuvo ligada a Bob Kane del que fue primero ayudante y luego dibujante sin derecho a firma de su personaje Batman. Entre sus principales aportaciones a los primeros años de la serie destaca su enorme capacidad narrativa y su estilo más parecido a los clásicos de la prensa como Sickless y Caniff. Junto a Mort Meskin y Will Eisner fue uno de los artífices de elevar el nivel gráfico de una incipiente industria.

A Robinson se le recuerda también por su aportación fundamental en la creación de los personajes de Robin y Joker para la serie de Batman en los años 40. Sin embargo no sólo trabajo en Detective Comics, su versatilidad le llevó a ilustrar historias de todos los géneros destacando en el western, policial y bélico donde se desenvolvía como pez en el agua.

Uno de sus últimos trabajos destacados fue la strip de ambientación futurista Jet Scott donde realizó durante casi dos años uno de sus mejores trabajos especialmente en las páginas dominicales. Nos ha dejado un gran artista. D.E.P.

BWS; el arquitecto de la Edad Hiboria. Leyendas de Conan (4)

2011-12-05T12:55:00.003+01:00

Robert E. Howard creó Conan el bárbaro para los pulps norteamericanos a principios del siglo XX. En la década de los 70 Roy Thomas se encargó de la adaptación al comic del personaje para el comic book Conan the Barbarian de Marvel. El dibujante escogido por la editorial fue Barry Windsor Smith, conocido en aquella época como Barry Smith, dibujante inglés casi novato que según confesaba el propio Thomas era mucho más barato que profesionales consolidados como Gil Kane o el propio John Buscema.

Ciudades y pueblos.

Tras unos números de adaptación el principiante británico demostró que la elección había sido mucho más que acertada de lo que nunca podían haber llegado a pensar los mandamases de la editorial. A la admiración que Smith sentía por Jack Kirby le añadió una gran capacidad narrativa, más elaborada que el americano, y una asombrosa capacidad para crear paisajes únicos y ambientes sofisticados casi reales.

Ya en el segundo episodio de la colección, Smith nos obsequia con una viñeta en plano general muy amplio con una detallada descripción de la ciudad de Brutheim en Asgard. Es una arquitectura futurista de raiz orientalizante que presagia las ciudades hirkanias de episodios posteriores. Hay que recordar que a pesar de la enorme coherencia arquitectónica y paisajística de la Edad Hiboria que podemos ver en los comics de Conan ésta es una era imaginaria que se sitúa en una época intermedia entre el hipotético cataclismo de la Atlántida y la prehistoria real. Por lo tanto la descipción de los paisajes son completamente imaginarios. Howard le dedica al asunto poco espacio en sus relatos y sus seguidores fueron un poco más prolijos. Por lo tanto Barry Smith tiene ante sí un nuevo mundo por crear.

A partir del cuarto comic book y coincidiendo con la llegada del cimmerio a los reinos hiborios (traslación a la Edad Hiboria de una época más o menos parecida a la baja Edad Media que fue la más contemporánea) Barry Windsor Smith empieza a idear el aspecto de la primera ciudad de Zamoria que veremos en los tebeos; Arenjun es descrita con una meticulosidad y acierto absolutamente inauditos para la época. La primera página empieza con una secuencia de tres viñetas entre textos con un picado de las calles del barrio popular de Maul, de una taberna típica de esta ciudad conocida como la Ciudad de los Ladrones y con un último cuadro con un plano general de la Torre del Elefante presidiendo los barrios populares. Todo un tratado de urbanismo en tres viñetas.

Otra ciudad-estado que es descrita con exquisito detalle es la que podemos leer en los #10 y 11 de la colección Conan The Barbarian. Aunque desconocemos el nombre, su morfología es perfectamente dibujada por el artista inglés. El barrio popular llamado El Laberinto nos recuerda a los Arenjun y Shadizar. Sin embargo el barrio noble, mucho más lujoso, es una creación absolutamente diferente de Smith con un cruce de estilos entre clásico grecorromano y modernista catalano-francés.

Fuera de las ciudades, en territorio rural, Smith también domina con mano de maestro las calles de los pueblos zamorios. En el #5 de Conan el Bárbaro titulado La hija de Zukala el protagonista visita un poblado subyugado por un brujo y su bella hija. El mercado, las casas y el castillo del brujo están perfectamente delineados.

Más ejemplos de ciudades; abajo la ciudad de Yezud en Zamora.

La de Melniboné con sus cúpulas en forma de seno.

Shadizar la perversa que es la más corrupta, excitante y exótica de todas.

Con el skyline completamente abarrotado de cúpulas doradas.

Y finalmente la mas extraña, innovadora e inquetante; Xucthol en los Reinos Negros, al sur de Estigia, completamente encerrada en sí misma.

Palacios y templos.

El trabajo de Barry Smith no se limita a la trama urbana sino que también se esmera con los edificios singulares de cada urbe inventándose estilos y características propios a cada cultura. Nemedia, segundo imperio en importancia de los reinos hiborios presenta en su capital Numalia edificios tan singulares como La Casa de las Reliquias templo museo dedicado al dios Mitra. Arriba y abajo podemos ver su imponente morfología y el pórtico de entrada.

La casa del Sacerdote Rojo en la ciudad sin nombre de Corinthia es otro de los ejemplos más impactantes con su verja modernista que recuerda los trabajos que hizo Josep Mª Jujol para el arquitecto modernista Antoni Gaudí y con su torre coronada por una cúpula de base cuadrada.

Y sin embargo el templo más singular es quizás el Templo de Tarim en la ciudad asediada de Makkalet un ejemplo característico de arquitectura hirkania que recuerda poderosamente a los templo de Constantinopla.

Torres.

Las torres son otro de los edificios predominantes en la arquitectura hiboria. Las hay de todas las formas y tamaños. La más famosa es sin duda la Torre del Elefante en Arenjun. Un cilindro imponente rodeado de frondosos jardines y completamente forrada de adornos hechos con joyas y pedrería.

Uno de los más innovadores diseños de Smith es la torre del Dios Alado en Shadizar rematada con una cúpula oriental hueca para que acceda el monstruoso animal adorado por sus sectarios seguidores.

Destaca también la torre sin nombre del Jardín del Miedo con su diseño alienígena.

Y como no la fálica Torre del Tesoro del Palacio Real de Makkalet que tanto Red Sonja como Conan asaltarán en el famoso #24 de la colección Conan el Bárbaro.

Interiores.
Otra de las características del arte de Smith es el excelso trabajo en la decoración interior como por ejemplo el salón del Palacio del Sacerdote Rojo donde podemos apreciar el trabajo del artista en suelos, azulejos, cortinajes y mobiliario sin olvidar las numerosas estatuas que pueblan las diferentes habitaciones.

Diametralmente opuesta en estilo, pero igualmente atractiva, es la sala de los espejos del Dios Viviente Tarim en el Palacio Real de la Ciudad Makkalet.

Y finalmente el colmo de la innovación: las calles exteriores-interiores de la ciudad maldita de Xucthol. Con su diseño encerrada en sí misma, esta ciudad está llena de balcones, callejuelas y pórticos que aumentan la sensación de claustrofóbica paranoia de un relato tan hermoso como terrible que se titula Clavos rojos. La versión original en blanco y negro la podemos leer en la revista Savage Tales #2.

Conclusión.

Toda época histórica - real o imaginaria - tiene su artista que configura el estilo imperante que la identifica, El modelo de la Edad Hiboria ha sido creado por el talento y la imaginación de un artista inglés llamado Barry Windsor Smith que configuró la estética, el urbanismo y los diferentes estilos decorativos que sirvieron de ejemplo a todos los artistas posteriores que pasaron por la serie. Smith no sólo fue el primer dibujante de Conan sino que se convirtió en el creador de un universo imaginario que se antoja casi más real que algunas épocas pasadas de nuestra era. Barry Windsor Smith es el verdadero arquitecto de la Edad Hiboria.

Las portadas del mes. Diciembre (especial superhéroes 1)

2011-12-01T00:10:00.005+01:00

La última serie del año de las portadas del mes y como siempre que se trata de un especial temático por partida doble. Ahora 10 portadas superheróicas y dentro de 15 días otras 10. No son las mejores (para esto está la serie de posts de las 30 mejores portadas donde hay algunas de este género) ni las más históricas ni he pensado en cuotas editoriales... pero como en las otras entregas no me justifico ahora tampoco. ¡A disfrutarlas!

1. Captain America V,5 #11 Steve Epting.

2. Astro City #5 Alex Ross.

3. Animal man #5 Brian Bolland.

4. Daredevil #227 David Mazzucchelli.

5. Showcase presents The Atom #34 Gil Kane.

6. Teen Titans #14 Nick Cardy.

7. The Rocketeer Adventure Magazine #1 Dave Stevens.

8. The Avengers #57 John Buscema.

9. Uncanny X-men #251 Marc Silvestri.

10. Exciting Comics #51 AlexSchomburg.

Dentro de 15 días otra decena de portadas de forzudos en pijama. Antes muchas otras aventuras aquí, en vuestro blog.

Soy un truhán, soy un señor. Leyendas de Conan (3)

2011-11-08T21:30:00.000+01:00

“Sabed , oh príncipe que entre los años en que los océanos anegaron Atlantis (…) y los años de aparición de los hijos de Aryas, hubo una edad no soñada en la que brillantes reinos ocuparon la tierra como el manto azul entre las estrellas (…) Y allí llegó Conan, el cimmerio, cabello negro, adustos ojos, espada en mano, ladrón, asaltante, asesino, de grandes tristezas y grandes alegrías, preparado para pisotear con sus pies calzados con sandalias los enjoyados tronos de la tierra”.

La leyenda de Conan se empezó a forjar a partir de su aparición en los paises hiborios con sólo 17 años de edad. En Arenjún, la ciudad de los ladrones en el reino de Zamora, vive una de sus primeras aventuras de juventud. Su intento fallido de saquear la misteriosa Torre del Elefante marca el inicio de una saga que podríamos llamar como Conan el ladrón que englobaría los nºs 4, 6, 7, 10 y 11 del comic book a color Conan the Barbarian. Todos tenemos una biblioteca ideal, mítica e imaginaria en la mía habría un tomo de casi 120 páginas agrupando estas 5 historias iniciáticas del cimmerio narradas por Roy Thomas y Barry W. Smith.

De hecho la gran virtud de la reedición de Forum de Conan el Bárbaro es que uno puede hacerse esta biblioteca ideal (al menos con las aventuras de Conan en color) y leer de una tirada estas cinco historias; de La Torre del Elefante a Villanos en la casa culminación magnífica de esta saga. Por en medio nos cargamos algunos nºs como el #5, - La hija de Zukala - escrito y dibujado antes que el 4 pero publicado después y dos episodios que no guardan relación al ser historias ambientadas en lugares inhóspitos fuera de las ciudades Zamoras o Corinthias, concretamente los nºs 8 y 9 titulados Guardianes en la cripta y El jardín del miedo.

Y es que Thomas y Smith parecen tener conciencia de que se abre un capítulo nuevo e importante en la leyenda de su bárbaro cimmerio con la presentación de éste en una lóbrega taberna del peligroso barrio del Maul en Arenjun. Una aparición súbita a contraluz con un encuadre que destaca su imponente figura pese a ser un adolescente. Thomas explica que en los dibujos preliminares la secuencia era diferente; primero el plano general y luego el plano medio del protagonista y que pidió invertirlos para dar una sensación de sorpresa mayor similar a la que tendría el borracho ladrón que es interrogado por Conan y para subrayar además con más enfasis la súbita irrupción del cimmerio en la historia.

Esta adaptación del relato de Robert E. Howard marca el principio de nuestra imaginaria saga de Conan el ladrón. Al fracasar en su intento de robar en la Torre del Elefante nos encontramos al inquieto cimmerio en Shadizar la Perversa donde conocerá a Jenna, una prostituta que le iniciará en los secretos y traiciones de la civilización hiboria.

En esta segunda aventura titulada Alas diabólicas sobre Shadizar, que es además una historia original de Roy Thomas, el cimerio se enfrentará a una secta que adora a un murciélago gigante, salvará a Jenna de las garras de sus adoradores y perderá un botín arrebatado anteriormente a un par de ladrones de Shadizar. Al final de su primera visita a esta ciudad Conan acabará igual de pobre pero con un poco más de conocimiento de como funcionan las cosas en los reinos civilizados de Hiboria.

El tercer capítulo nos conduce a Numalia, en el reino de Nemedia, segundo país hiborio más poderoso tras Aquilonia y traslación de Alemania y Austria a esta época imaginaria. Allí Conan se ve involucrado, al intentar asaltar un palacio-museo llamado la Casa de las Reliquias, en una guerra de brujos entre el poderoso sacerdote de Ibis Karanthes y el brujo estigio Toth Amon que le envía un regalo envenenado al primero en forma de serpiente con cabeza humana. El dios del cuenco, relato original de Howard, o ¡El que acecha en el interior! como lo tituló Thomas para el comic book es un relato interesante que parece que fue dibujado antes que Alas sobre Shadizar y que destaca por la soberbia ambientación de Numala y especialmente de la Casa de las Reliquias.

Otro aspecto del relato del que Thomas estaba satisfecho es de la lucha final entre la serpiente humana y Conan que se prolonga durante 4 páginas y que acaba con un momento de pausa que precede el golpe final. Estos detalles de coreografía guerrera y esta simbiosis entre dibujante y guionista son destacados por este último en los artículos titulados Conan the Marvelous, la desconocida historia de Conan el Barbaro de la reedición de la revista que hizo Forum a finales del siglo pasado y principios de éste.

Tras huir de Numalia y pasar por diversas penalidades Conan, que se ha reencontrado con Jenna, pretende establecerse en una ciudad-estado Corinthia dominada por un sacerdote del dios Anu llamado Nabonidus. Corinthia es un pequeño reino formado por ciudades-estado casi independientes. A pesar de los numerosos especialistas de la obra Howard, el nombre de esta cuidad es un misterio aunque Thomas y Smith la dotan de una personalidad y realismo asombrosos. En el #10 de Conan the Barbarian, titulado ¡Ten cuidado con el dios Anu! asistimos a la primera parte del relato de Howard titulado Villanos en la casa, cuya parte central será adaptada en el número siguiente. De hecho Thomas toma sólo una página y media del relato para construir este episodio y adaptarlo a la continuidad del cimmerio de manera impecable.

Allí el protagonista vive uno de los episodios más dolorosos de su adolescencia al reencontrarse con Burgun, un experimentado ladrón, con el que se asociará y cometerá varios robos. Tienen tanto éxito que crean la alarma entre las clases pudientes de la ciudad y son perseguidos por las fuerzas armadas del municipio. Finalmente el socio de Conan es atrapado y ajusticiado bajo la impotente mirada de su compañero. En el próximo número asistiremos a la venganza del cimmerio que se prevee terrible cuando se entera que han sido traicionados por Jenna y su nuevo amante.

Y finalmente el #11 de Conan the Barbarian nos presenta un especial de 34 páginas con la parte principal de la adaptación del relato original de Robert E. Howard. Villanos en la casa es un relato palaciego en el que Murilo, un noble caido en desgracia, ayuda a Conan a salir de la cárcel a condición de que mate al sacerdote rojo Nabonidus, sátrapa local. Tras consumar su venganza contra la pareja que le traicionó, el cimmerio entra furtivamente en el palacio del sacerdote para cumplir su promesa pero no es el único...
La secuencia que describe la venganza de Conan sobre Jenna, que podéis ver abajo, ha pasado a la historia como una de las más emblemáticas de la colección.

Llena de secuencias casi oníricas como la que podemos disfrutar también debajo de estas líneas, Villanos en la casa es posiblemente uno de los mejores comic books hechos en los 70 - de hecho este mes se cumple el 40 aniversario de su publicación- y sin duda el mejor de la serie en su etapa inicial. Uno puede quedar deslumbrado por la delicada orfebrería decorativa de las viñetas con especial énfasis en la ambientación y decorados pero lo fascinante de este episodio es que la narrativa no se resiente y resulta más poderosa que nunca. Las secuencias mudas de los números 7 o 10 tienen su equivalente aquí con más potencia si cabe. Todo es inteligible, claro, pristino e incluso la pelea final entre Conan y el monstruoso gorila guardián de Nabonidus no desmerece la tan alabada del #6 con la serpiente humana.

Y para redondearlo todo Thomas y Smith se inventan una secuencia memorable de lucha entre dos mascotas del sacerdote rojo, Thak el gorila semihumano y un leopardo negro, bajo la atónita mirada de los tres protagonistas que demuestra que los autores dominan perfectamente los registros narrativos y expresivos del comic y que están echando el resto en esta colección tan especial para ellos.

Por todo eso cuando al final Murilo y Conan se alejan charlando por las calles de una ciudad sin nombre de Corinthia uno no puede dejar de sentir que se ha acabado un ciclo en las primerizas andanzas del bárbaro gigante venido de Cimmeria. Conan ha vivido sus primeras aventuras como ladrón en las ciudades hiborias y ha experimentado en sus carnes las contradicciones y las traiciones de la gente civilizada; frente a ello la ingenua franqueza del adolescente ladrón resulta conmovedora y generadora, además, de situaciones explosivas. La leyenda de Conan no ha hecho más que empezar pero ya está marcando su estilo de noble bruto; de truhán y señor.

Las tiras de The Spirit en castellano.

2011-11-04T00:22:00.010+01:00

Si queréis disfrutar del primer mes de las daily strips de The Spirit en castellano casi al completo, no tenéis más que pinchar aquí y leerlas. En este blog están ordenadas casi la totalidad de las tiras entre el 13 de octubre de 1941 y el 8 de noviembre del mismo año. Una buena oportunidad para disfrutar del arte de un clásico de la narrativa dibujada realizado por Will Eisner y su equipo.
Si al principio no os dejan acceder al sitio, decid que venís de mi parte.

ACTUALIZACIÓN:

La segunda parte la podéis leer también en No trespassing!.

Salut!

Las portadas del mes. Noviembre.

2011-11-01T00:15:00.002+01:00

USA Magazine, Special Été #55 y 56. Dave Stevens.

Pilote #532 Jean Giraud.

Mc Sweeney's Quaterly #13 Charles Burns.

Wonder Woman #199 Jeff Jones.

Jerry Spring, les vengeurs du Sonora. Joseph Gillain "Jjé".

The Atom #36 Gil Kane.

Chambers of chills #21 Lee Elias.

Cimoc #2 Vicente Segrelles.

Epic Illustrated #8 Howard Chaykin.

Brain Fantasy #2 Larry Todd.

Y por este mes se acabó la ración de portadas. El que viene llegará con una selección sobre un tema monográfico. La respuesta dentro de 30 días. Salut!

Una secuencia memorable (1) The Spirit daily strips.

2011-10-27T13:05:00.004+02:00

Las tiras diarias de The Spirit dibujadas por Will Eisner no son tan conocidas como las historias de 7 páginas publicadas en el cuaderno dominical. Normalmente se considera que el formato reducido y limitado de la tira condicionaba en demasía la capacidad de innovación que demostraron Eisner y compañia cada domingo sobre todo a partir de 1946. Sin embargo yo no estoy nada de acuerdo con esta impresión y creo que esta secuencia ilustra claramente mi afirmación.

Corresponde al período inicial de la serie, concretamente del dia 25/11/1941 al 29/11/1941. Es una secuencia de enlace entre la primera y la segunda historia donde vemos que un moribundo millonario llamado Squire Sampson lanza ante notario una terrible maldición; quien descubra la identidad secreta de The Spirit recibirá un millón de dólares.

El comisario Dolan y Denny Colt analizan preocupados las repercusiones de tan macabro testamento cuando descubren que la prensa se ha enterado y destaca la noticia en primera página. Asqueado Spirit tira el preriódico por un puente al rio con tan mala fortuna que va a caer en un ferry que pasaba por ahí y recogiendolo unos tipos con muy mala pinta...

Utlizando elementos muy simples y respetando los códigos de la tira diaria (primera viñeta resumen, centrales acción y última suspense) el autor consigue enlazar dos episodios y hacer una presentación de personajes con un número reducidísimo de tiras. La acción fluye y engancha permitiendose además una secuencia final de hasta 5 viñetas mudas.
Will Eisner demuestra que se puede ser tan innovador y brillante en este formato como en las sundays o en los episodios de más páginas; nos lo demostraría durante 8 meses en pequeñas dosis a diario.

¡Una de indios! Leyendas de Conan (2)

2011-10-17T14:30:00.004+02:00

Tanto Robert E. Howard como Roy Thomas contaron la historia de Conan partiendo de una biografía más o menos definida y con un entorno histórico de ficción muy claro; la edad Hiboria. Howard escribió varios relatos cortos y algunas historias más largas para diversos pulps, principalmente Weird Tales, y creó un universo de ficción que retomarían varios escritores y guionistas de comics. Más allá del Rio Negro es una de sus últimas historias protagonizada por Conan el bárbaro y está considerada como una de las mejores del escritor tejano. La adaptación que hizo al comic Thomas para Marvel es casi literal y es, también, un hito la larga trayectoria del cimmerio en el mundo del comic book americano.

Mas allá del Rio Negro se publicó en los nºs 26 y 27 de la revista en blanco y negro La Espada Salvaje de Conan correspondientes a enero y marzo de 1977. Por las mismas fechas la serie principal, Conan el Bárbaro, llegaba a su número 72 y entraba de lleno en la conclusión de una larga saga donde Conan y Bélit se vengaban de los asesinos del padre de ésta última en tierras estigias. Como siempre sucedía la revista en blanco y negro no mantenía un orden cronológico tan estricto como el comic book en color y Más allá del Rio Negro narra un episodio de Conan muy posterior; cuando éste está a punto de cumplir los 40 años.
Los autores son Roy Thomas al guión, John Buscema a los lápices y Tony DeZuñiga a las tintas. Un equipo muy frecuente en la revista que ha dejado obras de mucha calidad. En España se puede encontrar en Super Conan #10 y en la más reciente La Saga de Conan #23 aunque esto sí con la habitual saturación de negros de Planeta DeAgostini por lo que recomiendo echar mano del tomo 3 de la recopilación a cargo de Dark Horse de The Savage Sword of Conan de impecable factura y con más de 500 páginas de buen comic.

Si tomamos el mapa de la geografía de la edad Hiboria esbozado por Howard (lo tenéis debajo) podemos hacer una adaptación y especular con que los continentes europeo y americano de la actualidad estaban unidos en aquella época - situada imaginariamente en el pasado anterior a la prehistoria - y que un cataclismo provocó que se partiera el continente por el este de Aquilonia para formar el Océano Atlántico actual. Aquilonia vendría a representar los actuales países de Francia, Inglaterra y Estados Unidos, siendo Nemedia Alemania y Austria por ejemplo. Los Reinos Pictos se separarán para conformar el continente americano junto con parte de Vanahein al norte y Zingaria al sur. Los rios Trueno y Negro son una frontera natural entre el mundo hiborio y las naciones pictas. Más allá del Rio Negro es por lo tanto un relato fronterizo.

Es de sobras conocido que Robert E. Howard quiso escribir relatos de la colonización americana y que varios de sus escritores predilectos eran los que trataban esta época, especialmente Robert W. Chambers. Antes de encararse con este relato de Conan ya había intentado algo similar con otro gran personaje bárbaro, Kull de Valusia, con su compañero picto Brule de protagonista, así como en otro relato inacabado de Conan que se iba a titular Lobos de allende la frontera donde la influencia de Chambers era palpable según los que han leido este esbozo de historia. No es de extrañar, pues, que al lector desprevenido de Más allá del Rio Negro le asalte la sensación de estar en una novela de Nathaniel Hawthorne y James Fenimore Cooper o asistiendo a un pase de Los Inconquistables de Cecil B. DeMille o incluso estar revisando Ticonderonga de Hestor G. Oesterheld y Hugo Pratt porque la intención era ésta. Sin embargo en todo momento es una historia coherente con el universo hiborio y con la biografía ficticia de Conan, éste es su gran merito y demuestra además la potencia y riqueza del universo creado por Howard.

La adaptación al comic que firma Roy Thomas es casi literal y es modélica. Está dividida en dos grandes partes la primera de 35 páginas más portadilla interior y la segunda de 44, de las que las 3 primeras son resumen del nº anterior, y con la portadilla interior. El guión es practicamente un desglose del relato enfatizando los puntos fuertes de la historia y agilizando los diálogos demasiado largos. Thomas, listo como pocos, sabe que está ante un relato muy potente y sabe ser invisible para dejar que la historia llegue con toda su fuerza. El argumento es simple; Conan vigila la frontera más occidental de Aquilonia como una especie de ranger a sueldo del ejército de este reino protegiendo los colonos de los pictos que cada vez atacan más cerca del fuerte Tuscelan. Un brujo picto consigue reunir a las diferentes tribus para asaltar el fuerte y Conan junto a un joven voluntario, Balthus, intentan avisarlos. Al fracasar consiguen evacuar gran parte de los colonos antes de que sean masacrados a costa de sacrificar el fuerte y tener bajas muy significativas. Conan sobrevive y promete vengar los muertos.

El punto fuerte de Más allá del Rio Negro es el arte. El dibujo es impresionante, lleno de fuerza y de una narrativa clara, casi límpida, con una potencia poco usual. Me atrevería a afirmar que John Buscema siempre crítico con las historias que dibujaba se siente muy a gusto narrando esta aventura de Conan. No falta ningún detalle y no sobra nada. Las splash- pages que inician cada capítulo son maravillosas y merece una mención especial la que inicia el tercero - que podéis ver al inicio de este post - sólo por esta página majestuosa, emocionante e impactante Mas allá del Rio Negro merece una mención en la historia de los comics de aventuras. Tony DeZuñiga, dibujante filipino de gran talento, complementa y entinta los lápices de Buscema de forma sublime. Llena las páginas de tramas, rayados y manchas potenciando el dibujo y sin recargar la página. Su uso de la iluminación es magistral y más si tenemos en cuenta que la historia está llena de secuencias nocturnas. El gran dibujante de Jonah Hex realiza un trabajo especial que hace que su contribución sea capital para entender la gran calidad de esta adaptación.

El tratamiento de los pictos merece un comentario específico. Ni Howard ni Thomas se ensañan con ellos de manera simplista. En todo momento son una amenaza real, casi invisible pero lejos de todo maniqueismo racista. En cambio el lider de la revuelta picta, Zogar Saz, es dibujado como un enloquecido tirano no muy diferente de algunos reyes o brujos de los paises hiborios e hyrkanios. El propio Conan no está muy lejos de comportarse como uno de ellos por eso los conoce y sabe como neutralizarlos. La filosofía howardiana se expresa con toda claridad; la principal barbarie es la decadencia tanto personal como la de las naciones.

En la larga biografía de Conan esta historia marca un hito importante ya que es el penúltimo peldaño hasta llegar al trono de Aquilonia. Trabajando en la frontera Conan conocerá la debilidad y la arbitrariedad de la clase dominante que vive en Tarantia, la capital. Alrededor de su figura se unirán una serie de personajes importantes que ven en el cimmerio un motor de renovación. Quizás no se esperasen que llegase a convertirse en rey pero el bárbaro venido del norte es especialista en romper los planes más elaborados. Sin embargo todo esto es otra historia que se cuenta principalmente en Luna de Sangre y Conan el Libertador.

Como epílogo de esta historia un soldado herido lanza unas de las frases más célebres de la obra de Howard "La barbarie es el estado natural de la humanidad. La civilización es antinatural es una circunstancia pasajera y la barbarie siempre triunfará al final". Uno se pregunta a que bárbaros se refiere a los que defienden su tierra con ferocidad o a los que las invaden porque creen que tienen el derecho divino de hacerlo. Una vez más Conan parece ser uno de los pocos que sabe donde está. Donde le pagan. Viviendo una de indios.

Comics de culto (8) Dieter Lumpen.

2011-10-07T13:28:00.000+02:00

El sistema de revistas de comics que imperó en nuestro país en los años 80 del siglo pasado, conocido popularmente como el boom del comic español, tuvo sus defectos - uniformización de las historias, tendencia a construir chistes de 8 páginas... - pero también numerosos aspectos positivos. Uno de ellos fue que los autores podían experimentar e ir madurando sus personajes sin la presión de tener que acertar a la primera. Así crecieron series que luego serían fundamentales como Peter Pank de Max, Taxista de Martí, Hombre de Segura y Ortíz, Fragmentos de la Enciclopedia Délfica de Prado o Torpedo de Abulí y Bernet.
Dieter Lumpen, escrita por Jorge Zentner y dibujada por Rubén Pellejero, es una de estas series que poco a poco fue madurando en el seno de las grandes revistas y alcanzó su punto de madurez casi al final del ciclo. Dieter Lumpen puede considerarse una de las últimas aportaciones del boom de los 80 y representa a su vez el ocaso.
El protagonista es un aventurero descreido que entronca tanto con los clásicos como Corto Maltese o Bernard Prince como con Freddy Lombard o Rocco Vagas aventureros posmodernos de postura cínica y algo paródica.

Sin embargo Zentner, ayudado decisivamente por el gran dibujo de Pellejero, no cae nunca en la parodia. Dieter Lumpen es un personaje siempre creible aun cuando no entendamos o no compartamos sus acciones y sus motivaciones. En sus aventuras existe un deseo de realidad y una tendencia a buscar una cierta verdad a través de la ternura. La saga de Dieter Lumpen está compuesta por 11 historias (8 cortas y 3 largas) agrupadas en 4 álbumes en España y otro en Francia: Le prix de Charon historia no editada en álbum aquí. Los libros españoles son Las aventuras de Dieter Lumpen (4 historias), Caribe, Un puñal en Estambul (4 historias) y Enemigos comunes publicados por Norma. Por su parte Planeta DeAgostini publico la serie completa posteriormente en formato comic book incluyéndo la última historia no publicada en álbum en España.

La serie está ambientada en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial; su personaje principal recorre varios países sin un rumbo fijo y sin una meta definida. De trabajo en trabajo - chófer, gerente, acompañante de gente diversa, incluso actor... - Lumpen consigue en varias ocasiones tener mucho dinero que , como sucede a menudo, desaparece con la misma rapidez con la que llegó. Su relación con las mujeres que ama no es más estable; pero si en el aspecto crematístico las pérdidas no dejan huella en el sentimental las cicatrices tardan bastante más en cerrarse. Tal vez por eso Dieter Lumpen es un personaje permanentemente revestido de un cierto halo de tristeza e incredulidad.

Pero el punto realmente fuerte de la serie es el extraordinario trabajo que Rubén Pellejero realiza en todos los aspectos artísticos. Su narrativa es clara y sencilla pero no exenta de riesgo, el color juega un papel narrativo de primer orden y el dibujo es de trazo elegante y lleno de detalles sin que resulte barroco. Sin embargo lo que deslumbra. lo que asombra en el arte de Pellejero es su capacidad para innovar en los encuadres de cada viñeta sin resultar mareante. Como Georges Bess o David Lloyd, Pellejero busca el ángulo necesario para explicar mejor cada situación y no le importa si la composición parece desordenada, al final uno tiene que reconocer que cada elección del dibujante es la correcta y que el resultado es como mínimo brillante.

Ahora que abundan los integrales y que algunos nos han proporcionado momentos maravillosos de lectura no estaría mal que alguien se animara a editar el de Las aventuras de Dieter Lumpen. Seguro que los jóvenes lectores descubrirán una obra muy interesante y los aficionados veteranos podremos recordar a un personaje importante del pasado reciente del comic de nuestro país. Pero en un tamaño adecuado, esto sí, porque para inventos como el de Glenat con Frank Cappa mejor que no gasten el papel que nos quedamos con nuestros antiguos álbumes de Norma, que siguen estando en buen estado, y para el que falta ya iremos a buscarlo a Francia.

El lápiz salvaje de Neal Adams. Leyendas de Conan (1)

2011-10-02T14:05:00.000+02:00

John Buscema es considerado como el dibujante ideal de Conan el Bárbaro, Barry W.Smith es ensalzado como el más elegante y exquisito artista de la serie y otros como Cary Nord, Gil Kane, P.Craig Rusell o Dick Giordano son recordados por algunas historias interesantes y bien dibujadas. Sin embargo se suele olvidar el paso de un gigante del comic, de un bárbaro de los lápices y las tintas por la franquicia hiboria creada por Robert E.Howard; Neal Adams realizó media docena de historias - a veces a los lápices y tintas y otras solo entintando- y otra media docena de portadas durante poco más de dos años y sin embargo interpretó a Conan el Bárbaro de manera magistral. Su salvaje cimerio es quintaesencial y magnífico.

Concretamente Adams dibujó y entintó Sombras en Zamboula relato de 39 páginas guionizado por Roy Thomas y publicado en The Savage Sword of Conan #14; The Curse of the Golden Skull! relato de 19 páginas guionizado por Thomas y publicado en Conan the Barbarian #37 y The Crawler in the mists de 22 páginas en Conan the Barbarian #116 con guión de J.M.DeMatteis, este último relato sólo a partir de la página 4. Y como finalizador, entintador o co-dibujante participó en otras tres historias: The last ballad of Laza-Lanti una maravilosa historia de Roy Thomas de 18 páginas co-dibujada por John Buscema y publicada en Conan the Barbarian #45; Night of the Dark God en Savage Tales #4 (mayo de 1974), 21 páginas con guión del omnipresente Thomas y con Gil Kane a los lápices y por último Of Flame and the Fiend! con 18 páginas en Conan the Barbarian #44 con lápices de John Buscema que es la segunda parte del relato iniciado en el 43 de la misma revista éste dibujado por Buscema y entintado por Ernie Chan. A parte realizó varias ilustraciones y portadas para Savage Tales, The Savage Sword of Conan y Conan the Barbarian.

Si tuviéramos que escoger una historia que ejemplificara el paso de Adams por la serie Sombras en Zamboula sería la escogida. Thomas adaptó un relato de Howard en el que el factor brujería es casi anecdótico y su principal baza consiste en la descripción de las intrigas palaciegas y de los bajos fondos de una ciudad-estado en Estigia. El arte narrativo de Adams amplifica y potencia la historia dándole matices realistas, casi de cotideanedad que hacen que nos sumerjamos en el ambiente de Zamboula como si hubiésemos vivido una temporada en ella. Otro aspecto destacado es que el artista escoge un estilo narrativo más clásico, con menos elementos compositivos y estructurales innovadores, una puesta en escena más transparente para aumentar la sensación de verosimilitud. Este aspecto hace que paradójicamente su dibujo luzca más, que uno admire mejor el impecable sentido de composición y el dominio anatómico del dibujante de Ben Casey.

Lejos de ser un trabajo rutinario Sombras en Zamboula demuestra que Adams se tomó muy en serio su colaboración con la franquicia cimeria y que intentó aportar lo mejor de su arte.
Sin embargo los caminos del comic mainstream son inescrutables y a veces torticeros. The curse of the golden skull! tenía que ser otro relato de Howard adaptado con cariño para The savage sword of Conan pero - como explica Thomas - surgió un problema con los plazos de entrega en el comic book principal y tuvieron que adaptar la historia a medio dibujar y con una extensión mayor a los estrechos márgenes del formato de 20 páginas a color.

Esta circunstancia industrial hace que la segunda parte de la historia se resuelva apresuradamente y con demasiadas viñetas por página pero aun así el resultado es un relato interesante, bien narrado y mejor dibujado donde destaca el poético prólogo ambientado en la ficticia era de Kull el Conquistador. Thomas destaca además la broma que Adams introdujo a modo de fálico monstruo babosa que pasó desapercibida a los censores, naturalmente.

La última balada de Lanza-Lanti, publicado en el nº 45 de Conan el Bárbaro, también cuenta con un monstruo de forma complicada sin embargo el tono del relato no es nada humorístico. Nos hayamos ante una de las más bellas historias de la serie donde el tono trágico de maldición inexorable planea sobre la pareja protagonista, el bardo que da título al episodio y un reflexivo Conan en pleno vagabundeo por tierras de Zamora (la Hiboria, claro).

El trágico destino de Laza-Lanti y la bailarina Timara es contado por Buscema a los lápices y Adams a las tintas bajo el pseudónimo de The Crusty Bunkers. Este nombre artístico engloba los trabajos realizados por un grupo de dibujantes agrupados alrededor del estudio Continuity dirigido por Dick Giordano y Neal Adams. El guionista y editor de la serie Roy Thomas explica con innusual sinceridad como se repartieron el trabajo: "... se encargaron del acabado, de terminar los bocetos a lápiz de John, y luego los entintaron. Pero, aunque los Crusty Bunkers fueran tan solo un grupo de jóvenes dibujantes que trabajaban para Neal en su estudio y muchos de ellos no pasaran de simples aprendices, Neal siempre los guiaba y se encargaba personalmente de alguna parte del trabajo, sobre todo las caras".

El trabajo satisfizo a Thomas y es innegable ver la mano de Adams en páginas como la que podemos ver encima de estas líneas. "Creo que, como resultado, The last ballad of Lanza-Lanti mantuvo las calidades de dibujo de números anteriores". Estos comentarios los realiza Thomas en los textos introductorios en la reedición en comic book de Conan el Bárbaro que publicó Forum a finales de los 90 y principios de la pasada década. Son textos que bajo el título de Conan the Marvelous, la desconocida historia de Conan el Bárbaro recopilan los recuerdos del máximo artífice de la publicación y del principal impulsor de los comic de fantasía heróica en el mainstream americano. Sería interesante recopilarlos en un libro, muy interesante.
Estoy de acuerdo con Manuel Barrero en que esta historia es una de las más hermosas de la serie curiosamente Conan adopta en ella un papel casi de mero espectador.

The Crawler in the mists fue en principio un comic-disco allá por 1976. El guión fue de Len Wein y los dibujos a lápiz de Buscema con tintas de Adams y en menor medida de Giordano. Las tres primeras páginas son claramente de Buscema y a partir de la cuarta, la mano del dibujante de Deadman se nota por doquier. Al dejar la serie Thomas, hubo una época de desconcierto por lo que J.M. DeMatteis adaptó la historia a la continuidad de Conan the Barbarian y la incluyó en el nº 116 de noviembre de 1980.

Esta historia es una más de los innumerables encuentros de Conan y acompañante, esta vez masculino, con un monstruo informe en una ciudad desértica y maldita. Destaca la narrativa limpia, clara y eficaz de Buscema y Adams y la descripción del personaje protagonista noble, inteligente y generoso aunque no exento de ferocidad.

Otra de las grandes historias del cimerio y de Neal Adams en la serie es La noche del Dios Oscuro. Esta historia co-dibujada por Gil Kane y entintada por Adams con Pablo Marcos y Vince Colleta se publicó en blanco y negro en la revista Savage Tales y en color en el nº 15 de Marvel Treasury Edition en 1977. Está basada en un relato escrito por el mismo Robert E. Howard aunque con otro personaje de protagonista, concretamente Turlogh 0'Brien que Thomas se encargó de encajar en la continudad del cimerio.

Es un relato situado en Cimeria, tierra natal de Conan, a donde volvía de vez en cuando cansado de vagabundear por tierras extrañas. Otra vez el aspecto sobrenatural es escaso y predomina la descripción de las diferentes tribus hiborias y de los aspectos sentimentales que guían al protagonista a rescatar un antiguo amor de juventud. En el aspecto gráfico destaca la alternancia de páginas claramente abocetadas por Kane con otras trabajadas por Adams y del entintado más oscuro y con grises difuminados en aguada (en la versión en blanco y negro) tan característicos del trabajo de Marcos. Una historia seca, sincera y algo nostálgica donde la figura de Conan vuelve a ser la de un bárbaro paciente, algo filosófico, aunque con sus habituales raptos de furia demente que son su rasgo distintivo.

Finalmente queda por comentar la segunda parte de una historia publicada los nºs 43 y 44 de Conan the Barbarian. En el primer capítulo el arte corre a cargo del tandem habitual formado por John Buscema y Ernie Chan y sin embargo la continuación titulada Of flame and the wind! será entintada por los Crusty Bunkers aunque Thomas atribuye el pincel a Adams o a sus ayudantes en un estado inspiradísimo. Se trata de una historia donde el cimerio comparte protagonismo con Red Sonja y donde se enfrentan a una pareja de vampiros que habitan una torre llamada La torre de sangre. Un relato algo flojo donde el arte de Adams no destaca en demasía.
El dibujante que renovó los X-Men dibujó y pintó portadas para Savage Tales, The Savage Sword of Conan y Conan the Barbarian e hizo numerosas ilustraciones para la revista en blanco y negro principalmente. De su paso por la franquicia destaca su interpretación del cimerio al que dió una personalidad más profunda, reflexiva y noble y que encaja mejor con las interpretaciones más modernas del personaje creado por Howard.

Con un puñado de historias interesantes que sus lápices y tintas mejoraron claramente, Neal Adams cosiguió sacarse de la chistera el tesoro de un arte sencillo, emocionante y profundo. Como la estrella de Khorala que Conan sustrae de manera disimulada, Adams nos ofrece una versión del bárbaro cimerio mucho más humana, mucho más auténtica y mucho más creible que la mayoría de relatos anteriores y posteriores. Que sus enseñanzas no calaran hasta mucho más tarde no le quita ni un ápice de valor al noble bruto surgido del lápiz (y el pincel) salvaje de Neal Adams.

Las portadas del mes. Octubre.

2011-10-01T00:15:00.002+02:00

Epic Illustrated #7 Barry W. Smith.

Zap Comix #2 Robert Crumb.

The unexpected #144 Nick Cardy.

Cimoc #47 Manfred Sommer.

Slow Death #2 Jaxon Sheridan.

The Amazing Spider-man #112 John Romita Sr.

Tex, la maschera dell' orrore. Claudio Villa.

Vanguard Illustrated #3 Al Williamson.

V for vendetta #8 David Lloyd.

Ken Parker, il respiro e il sogno. Ivo Milazzo.

Y ésta es mi selección de octubre; hasta el mes que viene que podréis volver a contemplar 10 portadas más. Por cierto este mes hay dos de series nacidas en la Editorial Bonelli; un pequeño homenaje a Sergio Bonelli (1932-2011) un gran editor y amante de los comics. D.E.P.

¿Cómo podrías odiarla?

2011-09-22T17:23:00.010+02:00

Domingo.
Echa un vistazo a la ciudad.
¿Cómo podrías odiarla?
Está compuesta de cuatro partes tan extrañas entre sí como países con no más de una frontera común; en realidad, muchos habitantes de Isola están más familiarizados con las calles de Inglaterra o Francia que con las de Bethtown, a un tiro de piedra, pasado el rio. Y además los nativos hablan lenguas diferentes. No es extraño que el acento de Calm's Point suene tan ininteligible como los sonidos que emite un galés al hablar.
¿Como podrías odiar a esta sucia perra?
Todo son muros y paredes, vale. Presenta edificios como empalizadas del ejército levantadas a modo de protección contra una población india engañada que se ha ido hace tiempo. (...) Pero ¿cómo puedes odiar a esta coqueta lagarta de pelo que huele a humo.?
Es ruidosa y vulgar; en sus medias hay carreras y sus tacones están gastados (Puedes ganártela con una palabra amable o una mirada impúdica porque sucumbe ante las atenciones, deseando siempre gustar, ansiosa de demostrar que es tan buena como la que más.) Canta demasiado fuerte. El carmín mancha toda su cara de un desafío obsceno. Se levanta la falda o la deja caer con igual abandono, gruñe, eructa, empuja, pedorrea, se tambalea, se cae, es común, vil, traicionera, peligrosa, frágil, vulnerable, tonta, obstinada y lista y barata, pero es imposible odiarla porque cuando sale de la ducha oliendo a gasolina y a sudor y a humo y a grasa y a vino y a flores y a comida y a polvo y a muerte (no importa el alto nivel de polución), lleva puesto este descarado hedor como el más caro de los perfumes. Si has nacido en esta ciudad y te has criado en ella, conoces el hedor y te marea. No el hedor de las ciudades de medio pelo, puebluchos y villorios que se las dan de ciudades y no embaucan más que a sus propios habitantes ignorantes. Hay media docena de verdaderas ciudades en el mundo; ésta es una de ellas. (...) Para conocer una verdadera ciudad tienes que respirarla, sentirla de cerca.
Echa un vistazo a esta ciudad.
¿Cómo podrías odiarla?

Ed McBain. (1926-2005)
"Ojo con el sordo". 1973
RBA serie negra.
Traducción: Cristina Andreu.

Grandes maestros olvidados (5) Jesús Blasco.

2011-09-14T15:45:00.001+02:00

Jesús Blasco, tragedia en Occidente.

Explicaba Jesús Blasco en 1983 en una entrevista concedida a Joan Benavent que hacía poco había recibido una carta del rey Juan Carlos donde le agradecía los buenos momentos que había pasado leyendo Cuto a los 8 ó 9 años. Sin embargo si el monarca español quisiera releer las aventuras de este personaje ahora, a menos que conservara la colección de Chicos de la época, no podría hacerlo. Tal es el desastre, tal es la tragedia del comic español; su principal obra clásica no está editada en condiciones. Existen dos álbumes en blanco y negro... de principios de los 80 del siglo pasado donde se recopilan las dos principales aventuras de este personaje; Cuto, en el dominio de los sioux y Tragedia en Oriente que a pesar de sus loables intenciones no dejan de ser un pálido reflejo de la obra, un pobre consuelo y además son casi imposibles de encontrar.

Jesús Blasco es uno de los grandes maestros del comic mundial pero no tiene ni el 10% de su producción publicada en la actualidad. Su obra se extiende por España, Inglaterra - donde es recordado por sus obras infantiles como Alicia en el pais de las maravillas o por su relatos de suspense como The Steel Claw - Italia, Francia, India, Yugoslavia, Estados Unidos y varios paises más. Además ha abarcado todos los géneros como el de aventuras, bélico, ciencia ficción o infantil además del romántico, western e incluso el histórico tanto en blanco y negro como en color. Ha desarrollado también una reconocida carrera como ilustrador.

En cualquier sitio donde haya sido publicada la firma de Jesús Blasco ha sido sinónimo de calidad, arte y emoción. En la misma entrevista (Un hombre, mil imágenes: Jesús Blasco. Norma Editorial 1986) el dibujante barcelonés explicaba que un artista no ha de reflejar la realidad tal cual es, sino recrearla. Estamos ante un creador, un artista único que es consciente de su papel de autor. Este maestro es español, es admirado por creadores y aficionados de todo el mundo y es un referente sin el cual no se entiende la evolución del tebeo patrio pero no se puede leer su obra sin hacer ejercicios de arqueología editorial; no es visible para el lector interesado. Tal es la magnitud de la tragedia en el dominio de los comics hispanos.

Biografía.
Jesús Blasco Monterde nació en Barcelona en 1919. Su afición al dibujo se manifestó de forma precoz y fue animado por su familia, básicamente su padre, a perfeccionar este talento. En 1935, a los 16 años de edad, publica su primer trabajo en la revista Mickey. Este mismo año pasa a colaborar en las revistas Pocholo y Boliche creando para ésta última una serie titulada Cuto, gurripato y camarilla donde aparece por primera vez su personaje emblemático Cuto.

Sus primeros trabajos muestran una fuerte influencia de la producción de Walt Disney y son de corte humorístico. En 1938 es llamado a filas en el bando republicano y pasa a formar parte de la Quinta del biberón como operador de radio. El final de la guerra lo lleva a un campo de concentración francés, St. Cipryen, donde es internado y donde realizaba retratos a prisioneros y guardianes para obtener algo de dinero o comida. Sin saber nada de su familia pasó allí su cautiverio hasta que su padre consiguió que lo liberaran tras arduas gestiones.

De nuevo en Barcelona Jesús Blasco contactó con la Editorial Plaza y reanudó su carrera de dibujante y autor aunque compaginándola con el servicio militar ya que su estancia en el ejercito republicano no fue reconocida por las autoridades franquistas. La editora Consuelo Gil Roësset lo fichó para su revista Chicos y el dibujante volvió a retomar a Cuto, esta vez en solitario. También creó en 1941 para Mis chicas, otra revista de la editorial, el personaje de Anita Diminuta de la que llegaría a realizar más de un centenar de historias.
A partir de entonces su producción se dispara creando tanto para Chicos y Mis Chicas como para otras editoriales infinidad de historias de las que se pueden destacar La escuadrilla de la muerte en 1941, Horizontes perdidos para la Editorial Cisne en 1942, El planeta misterioso con guión de Huertas Ventosa en 1944 y tres números de una revista titulada Episodios de guerra donde empezó a colaborar estrechamente con sus hermanos.

Sin embargo su obra emblemática de los años 40 es sin duda Cuto. En 1940 publica El pequeño policía la primera historia larga del personaje aún con estilo caricaturesco. Tras varios años de evolución del personaje y de los argumentos en varias historias cortas y páginas sueltas humorísticas, Blasco da el gran salto de calidad en 1945 con Tragedia en Oriente donde se pueden apreciar con toda nitidez el resultado de estudiar a los grandes del comic realista americano como Alex Raymond o Milton Caniff. Es muy relevante en esta historia la clara referencia a episodios concretos de la Guerra Civil y la Guerra Mundial como el bombardeo fascista a la ciudad de Guernica o los hornos crematorios que incomprensiblemente pasaron la censura para alivio del patriarca de los Blasco. En 1946 se publica En los dominios de los sioux donde el autor profundiza más aún en los logros anteriores realizando páginas de una belleza poco común en la época. A finales de la década el mercado español de revistas de aventuras se va contrayendo y poco a poco Jesús Blasco empieza a recibir ofertas del mercado europeo especialmente el inglés.

Antes de dedicar su trabajo al mercado extranjero Blasco realiza varias obras en España como varias aventuras de su personaje emblemático: Cuto en Nápoles (1947), El caso de los muchachos desaparecidos (1948) o La estrella negra (1950) por poner algunos ejemplos y también otras serie e historias sueltas como Una aventura en la India (1948), Dan Jensen (1952) y Smiley O'Hara para la revista Cimarrón además de la creación de otro personaje, Topolino, para la revista del mismo nombre.
En 1954 inicia su periplo británico con la serie Buffalo Bill para la revista Comet que se prolongará hasta 1958. A partir de entonces Jesús Blasco con la inestimable colaboración de sus hermanos Adriano y Alejandro realizará una ingente cantidad de material para las revistas británicas; Billy the Kid para Sun desde 1955, Kit Carson y Dick Turpin en 1958, historias románticas para Valentine, Famous Romance Library o Mirabelle y adaptaciones de películas de la época y clásicos de la literatura infantil.

En 1962 dibuja para la mítica revista Eagle la serie Vengeance Trail del nº 10 al 28. Y es en este año cuando empezaría su colaboración con la revista Vailant donde dibujaria durante casi 10 años la serie The Steel Claw con guiones al principio de Ken Bulmer y después de Tom Tully. En 1963 empieza para la revista Teddy Bear otro de sus best-sellers británicos, Edward and the Jumblies, un clásico del tebeo ilustrado infantil. La serie se prolongaria hasta 1973. En 1968 dibuja para la revista Look and Learn la historia titulada The Montezuma¡s Daughter; The indestructible man para Jag y empieza con la publicación de The Water Babies que marcará toda una generación de jóvenes lectores.

Aunque fueron los ingleses quienes mejor aceptaron a Blasco y su equipo como artistas propios, reconocieron su labor, los admiraron a parte de pagarlos muy bien; fueron los franceses los primeros que les dieron trabajo. Concretamente en 1951 comenzaron con el encargo de dibujar las biografías de personalidades famosas como Eisenhower, Toulosse-Lautrec, Charlot, Brigitte Bardot, Pasteur y varios más encargo que se prolongó hasta principios de la década de los 60. También relizaron varias historias de corte romántico para Ici Paris y aunque su producción fue menor que para Inglaterra destaca la serie Los Guerrilleros a partir de 1968 para la revista Spirou. Con guiones de Miguel Cusso, José Ramón Larraz y del mismo Blasco se publicaron 4 historias; Los guerrilleros del nº 1567 a 1585, La route du condamné del nº 1652 al 1667 (1969-1970), L'ombre de l'ancetre del 1674 al 1691 (1970) y finalmente Le dernier exploit de Durango Scott del 1841 a 1846 en 1973.

Volviendo a Inglaterra y tras un año de pausa Jesús Blasco retoma su personaje emblemático en la revista Vailant con The return of the Steel Claw de 1971 a 1973. En 1977 Blasco deja prueba de su talento en otra de las grandes revistas británicas, 2.000 A.D., con los tres primeros capítulos de la serie Invasión! Pero el autor español no sólo publica en Francia-Bélgica e Inglaterra. Desde finales de los cuarenta en Portugal se reeditan con verdadero interés las obras publicadas en España y a partir de los años 70 publicará en Alemania. En 1972 y durante algo más de un año colabora con la revista Pip con diversas historias de corte erótico y humorístico. También empieza a colaborar para editoriales italianas.

Dos comics de corte histórico marcan los próximos años. En 1979 se encarga para el mercado italiano de Marco Polo según una popular serie de televisión y en 1982 para el mercado francés dibuja la adaptación al comic de La Biblia guionizada por Claude Moliterni, ambas series editadas en varios paises.

En 1986 pasa a colaborar con la popular editorial italiana Bonelli encargándose de varios episodios de su personaje principal Tex Willer e historias esporádicas de otras series de la firma. Esta colaboración durará hasta el año 1994. Los Blasco no han dejado de publicar en estos casi 30 años en España aunque de manera esporádica. Destacan Sant Antonio-Maria Claret en 1966, un episodio de Joyas Literarias Juveniles titulado Los viajes de Marco Polo con guión de Cassarel en 1976, dos episodios de Dulce frenesí; Operación Hot-dog en 1979 y Operación número Zeta en 1980 ambos con guión de Andreu Martín para la Editorial Bruguera y la historia tirulada ¡Busco a Joe Giggio! (1980) también con guión de Martín. A partir de mediados de la década de los 80 las editoriales españolas vuelven a tener proyectos para él y su estudio de forma regular aunque como afirmaba a menudo no le servían para mantener económicamente la empresa.

En 1986 intenta relanzar El Capitán Trueno con guiones de su creador Victor Mora con escaso éxito; participa, también, en una obra colectiva para la Editorial Norma con motivo del 50 aniversario de la Guerra Civil Española también con guión de Mora. Con guiones de otro histórico, Mariano Hispano, se encarga del dibujo de la serie Zacarias Grimm para el diario Primeras Noticias y finalmente ya en los 90 su estudio se encarga de la realización de Tallaferro para el diario Avui. El reconocimiento oficial a su extraordiaria labor le llegó a partir de los años 70 con la concesión del premio a la mejor labor profesional por el Club Amigos de la Historieta y en 1982 fue galardonado con el premio Yellow Kid del Salón de Comic de Lucca. En Francia recibe, además, el reconocimiento de Caballero de las Artes y las Letras. En 1988 muere Alejandro Blasco, Pilar en 1992 y Adriano en el año 2000.

Jesús Blasco murió en 1995 a punto de cumplir los 76 años.

Influencias y seguidores.

Floyd Gottfredson marcó la primera etapa de la obra de Blasco aunque supongo que el dibujante barcelonés no supo hasta más tarde que era él y no Walt Disney el que realizaba de manera magistral las tiras diarias y páginas dominicales de Mickey Mouse. En los años 30 se publicaban con asiduidad en España tanto las tiras diarias de corte humorístico como las series más aventureras provenientes de los periódicos estadounidenses. Posteriormente Blasco se fijará también en el trabajo de Elzie C.Segar y Hergé.

A medida que su trabajo fue derivando hacia una temática más realista Jesús estudió con detenimiento la obra de Alex Raymond y Milton Caniff para crear su propio estilo. Flash Gordon y Terry and the pirates son series que sirvieron al mayor de los Blasco para afianzar su dominio de la anatomía y su sentido de la narrativa y marcaron toda su producción de los años 40.

A partir de la decada de los 50, con un estilo personal plenamente definido, el creador de Cuto despliega su arte en una ingente producción tanto en España como en Gran Bretaña y el resto de Europa. Las características únicas de su arte, que se podría definir como un hiperealismo expresionista lleno de dinamismo y sensualidad, empiezan a influir a su vez a numerosos autores de varios paises.

Para empezar cabría destacar como seguidores a sus hermanos Pilar, Adriano y Alejandro que desarrollaron una carrera propia a principios de los años 40 y que en el caso de los varones pasaron a formar parte de su estudio a partir de los 50 ayudando al hermano mayor a cumplir con los plazos de entrega sin sacrificar la calidad. Cada uno, aunque con su personalidad bien definida, bebieron de las mismas referéncias y tuvieron a su hermano mayor como maestro natural.

El estilo clàsico, vigoroso y elegante de Blasco influyó en bastantes autores españoles. Manfred Sommer explica con que admiración se miraba el trabajo de Jesús en los años 60. Cabe añadir que en 1966 y por encargo del Instituto Perramón Blasco ilustró Como dibujar historietas que se reeditaría en varias ocasiones y que sería muy útil para los aspirantes a autores de comics de la época.

Manfred Sommer.

A parte de Sommer, que reconoció siempre el magisterio del genio barcelonés, otros autores como Enric Sió, Rafael Méndez, Enrique Badía o Joan Boix pueden considerarse como alumnos aventajados de Jesús Blasco.

Joan Boix.

Enric Sió.

En el extranjero es imposible calibrar el impacto de la obra de Jesús Blasco en paises como Alemania, Suecia o Yugoslavia. Sin embargo en Inglaterra toda una generación se siente deudora del inmenso legado del dibujante de obras como The Steel Claw o Rob Riley. Brian Bolland, Alan Davis y Dave Gibbons son algunos de estos admirados discípulos.

Brian Bolland.
Alan Davis.
Dave Gibbons.

Cuto, el aventurero de la postguerra.

El personaje emblemático de la etapa española en la obra de Jesús Blasco nació en 1935 como componente de una pandilla en la serie Cuto, Gurripato y camarilla publicado en la revista Boliche. Posteriormente y tras la Guerra Civil el autor retomaría el personaje para que protagonizara una serie de aventuras para la revista Chicos en las que el estilo humorístico del inicio iría dando paso a la temática aventurera.

Es dificil calibrar la importancia de Cuto en la postguerra española con ojos actuales. Sin embargo si analizamos que se trata de un personaje independiente, económica y de acción y que se mueve por diferentes ámbitos geográficos y temporales podremos deducir que a los deprimidos ojos de niños y jóvenes de los 40 era todo un mito.

La primera aventura protagonizada en solitario por Cuto se titula El pequeño policía. Es una historia de 16 páginas publicada entre los nºs. 143 a 158 de la revista Chicos entre 1940 y 1941. Las siguientes aventuras se titulan Sin rumbo (Chicos 161 a 202 de 1941 a 1942); El pájaro azul que es un album de 48 páginas publicado en 1942 por Ediciones Chicos y El mundo perdido serializado entre los nºs 206 a 267 en Chicos de 1942 a 1943. Una historia de 59 páginas. Paralelamente realiza de 1941 a 1945 numerosas historias cortas y chistes de una página para los almanaques anuales de la revista. El secuestro, Granujas y caballos, El castillo del terror, Cuto en una del oeste son los títulos de algunas de las más significativas de una extensión entre las 6 y las 10 páginas.

Entre 1945 y 1946 se publica de forma serializada Tragedia en Oriente del nº 343 al 383 de la revista Chicos. Los 14 primeros números se publicaba una página a todo color y dos tiras en páginas interiores también a color y a partir del 357 en dos páginas a todo color.

Tragedia en Oriente marca el inicio de la etapa más inspirada de la serie que se completaría con la otra gran historia titulada En los dominios de los sioux que se publica del 385 a 448 de la revista Chicos entre el año 1946 y 1947. En ambas historias Jesús Blasco alcanza su madurez como autor y eleva el comic español al mismo nivel que autores como Raymond, Gillon o Hergé lo harán en otros paises. Algunas secuencias de Tragedia en Oriente recuerdan poderosamente episodios de la Guerra Civil española como las escenas de guerra donde Blasco muestra las consecuencias de un bombardeo indiscriminado a la población civil con un homenaje al famoso cuadro-denuncia Guernica de Picasso.

Blasco alcanza la excelencia utilizando todos los recursos que el arte del comic le ofrece. Desde la utilización de la profundidad de campo en las secuencias aéreas, el uso realista de los decorados y atrezzo a la audaz estructura narrativa motivada por el hecho de ser una obra serializada en como máximo dos páginas.

A modo de inventario podemos señalar que la historia En los dominio de los sioux está dibujada casi sin documentación ya que los referentes gráficos de la época no eran muy abundantes en España. Blasco se basa casi exclusivamente en fotogramas de películas que ha podido ver y sin embargo su ambientación del western es muy similar a la que dos décadas más tarde encumbrará a dibujantes como Jean Giraud, Hermann o Ivo Milazzo.

A partir de 1947 la serie entra en un suave declive pero no deja de publicarse. Este mismo año aparece Cuto en Nápoles de 8 páginas en Almanaque Chicos para 1948. Le sigue El caso de los muchachos desaparecidos de lus nºs 469 a 491 de Chicos en 1948. Este mismo año aparece en el almaque El junco de Sing, una historia de 8 páginas. Durante los años 1949 y 50 se serializa Hombres muertos en la isla de 28 páginas (Chicos 532 a 556) y en el almanaque de 1949 la historia El secuestro de 8 páginas. Finalmente la última historia de cierta envergadura publicada en Chicos será Estrella negra del nº 1 al 38 de la segunda época durante los años 1950 y 51 alargándose durante 58 páginas. En 1953 Blasco publicará la historia La herencia misteriosa en la revista Boy en los nºs 9,10,13,14,15,16,18 y 19, una historia de 10 páginas. De 1974 a 1982 publica de forma bastante accidentada Hampa Mundial Inc en la revista Chito. Una historia inacabada de 37 páginas.

A parte de lo inventariado arriba existen numerosas páginas autoconclusivas que se publicaron en El gran Chicos, en Chito bajo el nombre de Cosas de Cuto y algunas colaboraciones para Journal do Cuto en Portugal y para El Periódico de Cataluña.
Cuto supuso un hito en la historieta española, es un comic clásico que sirvió de referente a varias generaciones de creadores de nuestro país y que avanzó en algunos aspectos hallazgos de obras posteriores. Cuto fue la primera gran obra de este maestro de los comics nacido en Barcelona.

Héroes de alquiler.

La precariedad del mercado español de comics de aventuras se hizo más patente a partir de 1949 cuando Chicos pasó de ser una revista de aventuras con continuará a una revista de corte humorístico con historietas autoconclusivas. La presión de las revistas de humor acabó con estas revistas obligando a los dibujantes y guionistas a reciclarse o dejar el negocio. Jesús Blasco encontró nuevos mercados en el exterior. Francia, Bélgica e Inglaterra se disputaron sus servicios encargándole una cantidad ingente de trabajo que el mayor de la dinastía de los Blasco pudo subministrar gracias a la colaboración de sus hermanos. Juntos formaron un taller donde los menores Alejandro y Adriano ocultaron su firma y su estilo bajo el nombre del mayor y más famoso de los tres. Es muy difícil llegar a distinguir las aportaciones de cada cual. Lo que está claro es que el producto entregado siempre tenía el estilo y la calidad que se esperaba que quizás en solitario Jesús no hubiese podido mantener con tanta demanda. Los hermanos tuvieron una corta carrera en solitario en los 40. A continuación podéis encontrar un breve repaso de éstas empezando por el benjamín.

Adriano.

Adriano Blasco empezó su carrera en la revista infantil de Consuelo Gil Roësset, Mis Chicas, que estaba dedicado al público femenino. También servía como plataforma de aprendizaje para nuevos talentos que aspiraban a publicar en Chicos, revista de relatos de aventuras. En 1944 empezó su carrera dibujando Chispita con un estilo lleno de influencias de su hermano Jesús, de Ángel Puigmiquel y de varios dibujantes de la factoría Disney. Hasta 1947, el más joven de los Blasco, no consiguió su propósito de publicar en la revista Chicos. Lo hizo con una aventura titulada El once de la muerte. A partir de entonces publicaría Piratas en el Yukón, El brujo blanco en 1948. El genio negro en 1949 y a partir de la reestructuración de la revista que priorizaba las historias autoconclusivas en lugar de las seriadas creó el personaje Speed, el hombre del año 2000. Colaboró también en la revista El Coyote donde se encargó de personajes como El encapuchado, John Clowe y Rabituerto creado por su hermano Jesús. Poco a poco el declive de las revistas afectaron a su producción y junto a su hermano Alejandro empezó a colaborar con su hermano mayor formado el estudio de los Blasco que produciría miles de páginas bajo la firma de Jesús Blasco.

Pili.

Pilar Blasco empezó a publicar en Mis Chicas en 1942. Su primer personaje fue Mariló - una muñeca - que vivía aventuras fantásticas llenas de hadas y princesas que ilustraba con su estilo cargado de sensibilidad, encanto y delicadeza. A lo largo de diez años ilustró varias aventuras infantiles como Campanitas de Belén, La última historia de Scherezade o finalmente Las aventuras de Lalita en 1949 para la revista Florita. En los años 50 se retiró del mundo profesional trás casarse como era común en la época.

Alejandro.

Alejandro Blasco empezó su carrera en 1943 en la revista Mis Chicas al igual que sus dos hermanos Pilar y Adriano. Su primer personaje fue Morronguito y era una serie de corte humorístico. En 1944 consiguió su primer personaje de aventuras en una historia de 6 páginas titulada Dardo amarillo. Policía Montada, Por tierras de emoción, Titanes en el Polo Norte, El Corsario X, Los hijos de Corazón de Hiena o La danza de las cabelleras son historias que publicó de 1944 a 1948 cuando la revista cambió de orientación. Colaboró con otras revistas como El Coyote, Alcotán y Topolino donde dibujaba Sandy un clon de Cuto. Finalmente el ocaso de las revistas de continuará le hizo refugiarse con su hermano Adriano bajo la firma de Jesús y formar con ellos el taller que suministró decenas de obras al mercado europeo a partir de los 50. Fue además el modelo físico que inspiró a Jesús su personaje Cuto.

La primera colaboración entre los tres hermanos varones data de 1947 cuando juntos intentan crear una editorial, llamada Augusta, y realizan un cuaderno de historias bélicas titulado Episodios de guerra que duró tan solo 3 números. A partir de mediados de los 50 la empresa Blasco produce desde comics infantiles, históricos, románticos, bélicos y del oeste para varios paises y con estilos muy variados. Podemos especular que obras se reservó Jesús para dibujar en solitario (The Steel Claw, Los guerrilleros...) pero lo que los especialistas aseguran es que los hermanos menores aportaron mucho de su talento e imaginación a las obras que el mayor se dedicó a coordinar y dirigir. El hecho que esta colaboración durase tantos años es prueba que funcionó tanto económicamente como artísticamente y que ninguno de los hermanos se sintió incómodo con el trato recibido.

The Steel Claw (La zarpa de acero).

Sinceramente creo que desde nuestro país; desde Barcelona, Madrid, Asturias, Zaragoza o Sevilla no podemos calibrar la enorme repercusión que el trabajo de Jesús Blasco tuvo en Gran Bretaña. Tanto sus adaptaciones de relatos infantiles como Alicia en país de las maravillas o The Water babies como sus comics en revistas de aventuras como Invasión!, Buffalo Bill o Vengeance Trail (éste último en la famosa revista Eagle) han marcado una o dos generaciones de británicos y convirtieron a Blasco en una estrella.

Pero es por encima de todo The Steel Claw la serie que ha dejado una huella imborrable en la historia del comic anglosajón. Acostumbrados a héroes más ortodoxos como Dan Dare, Garth o Wulf the briton las extrañas aventuras de Louis Crandell y su mano metálica conmocionaron la imaginación de miles de jóvenes de la época que leyeron con avidez la interminable escapada de este fugitivo ayudante de laboratorio. La imaginación desordante y retorcida de Tully proporcionó a Blasco argumentos suficientes para lucirse en páginas llenas de tensión y misterio y de un arte absolutamente único e inimitable.

The Steel Claw empezó a publicarse en la primera edición de la revista semanal Valiant el 6 de octubre de 1962. A razón de dos páginas por semana la serie se prolongó hasta que fue interrumpida en mayo de 1970. Un año más tarde volvió a aparecer en la revista hasta su clausura definitiva en octubre de 1973. A parte hubo algún anual y varias ediciones en libro que serían dibujadas por otros autores. La serie regular empezó con guiones de Ken Bulmer y a partir del 4º episodio fue escrita por Tom Tully hasta su clausura. Jesús Blasco dibujó la práctica totalidad de los capítulos publicados en Vailant junto a los Vailant anuales correspondientes a los años 1965, 66 y 69.

La serie cosechó un éxito inmediato en Gran Bretaña y se publicaron varias reediciones y capítulos secundarios bajo el título de Studendous Series de Super Library dibujadas pr el italiano Massimo Belardinelli. La editorial vendió la serie a numerosospaises como Alemania, Suecia, Italia, España, Yugoslavia o la India gozando en estos paises de gran popularidad. En nuestro país la primera edición corrió a cargo de Ediciones Vertice que la popularizó en un formato bolsillo remontando las páginas como también lo serían en sucesivas ediciones a cargo de Bruguera y Surco. Actualmente Planeta deAgostini está publicando una edición respetando el formato original.

Conclusión:

El misterio del mercado español hace que muchos aficionados al comic desconozcan casi por completo la obra de uno de los más grandes autores de tebeos todos los tiempos. Personajes e historias como las de Cuto, Anita Diminuta, Los guerrilleros, Buffalo Bill, Edward and the Jumblies o La hija de Moctezuma son completos desconocidos para el lector español del siglo XXI.

Por esta desidia inexplicable no podemos disfrutar de una obra, redonda, audaz y exhuberante que seguramente llenaría de dulce frenesí a muchos de los que ahora suspiramos por ver la trayectoria de Jesús Blasco y sus hermanos dignamente representada en las librerías de nuestro país. Supongo que los profesionales tienen mejores datos que yo al respecto pero quisiera dejar una reflexión... ¿Cuanto cuesta subvencionar una película, un ballet o una orquesta sinfónica? ¿Cuanto costaría editar un integral de Cuto dignamente? ¿No querrían todas las bibliotecas del país tener la obra maestra del tebeo clásico español en sus estanterias junto a Asterix y Tintín? Sinceramente a veces creo que lo único que falta es un poco de imaginación y mucho amor por el tebeo. Ahora que estamos tan quisquillosos por las ediciones de clásicos de otros paises; ¿No es hora de editar de forma digna los españoles? Preguntas sin respuesta por ahora.

Obras escogidas:

El planeta misterioso. Chicos # 298 a 311 ( mayo-septiembre 1944)
Cuto, en el dominio de los sioux. Chicos #391 a 399 (junio-agosto 1946)

El relojero. Creepy #110 1979.

Bibliografía y enlaces de referencia:
- Un hombre, mil imágenes: Jesús Blasco. Cuadernos de la divulgación de la historieta #3 Varios autores. Norma Editorial. 1985.
- Primeras experiencias del comic español por Salvador Vazquez de Parga. La historia de los comics vol.2 Ed. Toutain. 1983.
- Sobre las cenizas ardientes de la Guerra Civil por Javier Coma. La historia de los comics vol.2 Ed. Toutain. 1983.
- Jesús Blasco por Antonio Martín. Prólogo de Los guerrilleros, la sombra del antepasado. Ed. Pala. 1979.
- Cuto y su estética por Josep Mª Delhom. Prólogo de Cuto en los dominios de los sioux. Revival Comics. Club de amigos de la historieta. 1983.
- Cuto, tragedia en Oriente por Jesús Blasco. Colectivo 9º arte. 1979. - Los chicos se hacen hombres. El rostro cambiante de los comics británicos de 1950 a 1970 por Alan Vince. La historia de ls comics vol.2 Ed. Toutain. 1983.
- El blog Deskartes Mil, creado por Manuel Deskartes, ha publicado 5 posts muy completos con la bibliografía de Jesús Blasco el primero de los cuales podéis consultar aquí y a partir de ahí seguir el hilo. - La ficha biográfica de Jesús Blasco en Tebeosfera revista digital dirigida por Manuel Barrero.
- Numerosas entradas en el blog de Joan Navarro llamado Viñetas.
- Varias entradas en el blog La tertulia de studio con especial atención a los posts dedicados a El planeta misterioso y Lady Godiva. Blog creado por clementcor.
- En el blog Cómic, historietas, tebeos... podemos encontrar dos entradas escritas por Charles Caum que exploran el trabajo de ilustración de Blasco. Concretamente Alejandro Magno y Tom, el hijo del gaitero.
- La ficha de Jesús Blasco en Lambiek y Wikipedia y también las fichas de Cuto, The Steel Claw y Chicos en esta última web.

Las portadas del mes. Septiembre.

2011-09-01T00:05:00.003+02:00

Aquí tenéis la ración mensual de 10 portadas que me gustan. Tras el especial dedicado a las portadas de terror de agosto vuelvo con el revoltillo de cada mes aunque si las miráis en su conjunto casi son más terroríficas éstas; las de septiembre. Cosas del inconsciente. Espero que os gusten.

Shock Suspenstories #1 Albert Feldstein.

Paracuellos, versión francesa. Carlos Giménez.

Static #45 Moebius.

Seven Seas Comics #4 Matt Baker.

The Spirit magazine #41 Will Eisner.

The Criminal, lawless #5 Sean Philips.

The Question #11 Bill Sienkiewicz.

Punch Comics #12 Paul Gattuso.

Heavy Metal V. 21 #5 Liberatore.

Alien Encounters #8 Mick Austin.

Y el mes que viene 1o portadas más. A ver por donde van los tiros. Aunque a lo mejor no hay nexo común. La respuesta en 30 días.

Comics de culto (7) Big man.

2011-08-22T18:31:00.000+02:00

Big man, obra de David Mazzucchelli, apareció en la revista independiente Rubber blanket #3 el año 1993. Es una historia de 40 páginas en bitono de corte filosófico que narra el breve encontronazo entre los habitantes de un pueblo pequeño situado en un lugar indeterminado y un gigante extranjero al que llamarán Big man.

David Mazzucchelli se había retirado prematuramente del mainstream tebeístico norteamericano después de firmar dos obras maestras con guión de Frank Miller - Daredevil, born again y Batman, año uno - y varias obras interesantes como Claroscuro en Marvel Fanfare #40 esta vez con guión de Ann Nocenti.

En su revista autoeditada, Rubber blanket, Mazzucchelli experimentó con el medio buscando nuevos horizontes temáticos y narrativos encontrando con Big man su piedra filosofal.

La relación entre el gigante y los habitantes del pueblo pasa del temor inicial a la curiosidad, colaboración y respeto hasta que la intervención de la autoridad rompe con este acercamiento entre el visitante y los nativos. Un esquema argumental que recuerda a las películas de extraterrestres de los 70, ahora muy de moda. Sin embargo el verdadero interés de Big man radica en el espectáculo narrativo que el autor despliega en su relato.

A su historia no le sobra nada ni tampoco le falta ningún detalle. Los silencios, las pausas, las páginas mudas explican tanto como los discursos existenciales del final. Un hombre mirando un árbol, símbolo de la colaboración entre iguales es tan conmovedor como el gesto final de Rebecca, la niña amiga del gigante, gesto que es imposible ver sin que afloren las lágrimas.

Más tarde vendrán obras más ambiciosas y también más pretenciosas como La ciudad de cristal con guión de Paul Karasik sobre un texto de Paul Auster y sobre todo Asterios Polyp tan hermosa de forma como fría de corazón. Big man en cambio es cálida, emocionante y sencilla, es una obra de culto que desgraciadamente sólo está editada de forma casi artesanal por la editorial El Wendigo. No estaría mal una reedición para un público más amplio; esto sí en un tamaño adecuado - la francesa que es la que tengo junto al #3 de Rubber Blanket es de un diseño parecido a lo que hizo Astiberri con Lupus, para entendernos - no vaya a ser que Big man se nos quede demasiado pequeño.

Las portadas del mes (especial terror 2)

2011-08-14T12:19:00.019+02:00

Lo prometido es deuda y hoy toca la segunda parte del post dedicado a las portadas de terror. Para abrir boca, una portada que me persiguió durante mi niñez. El hombre lobo de Martí Ripoll fue protagonista de varias de mis pesadillas infantiles. Ahora visto en perspectiva más adulta le encuentro una mirada triste, tierna incluso... Espero que esta recopilación os guste.

Dossier negro #14 Martí Ripoll.

Vampirella #66 Enrich.

Witches tales #22 Lee Elias.

Crime Suspestories #20 Johnny Craig.

Vampus #63 Vicente Segrelles.

La sonrisa del vampiro #1 Suehiro Maruo.

The haunt of fear #28 Graham Ingels.

Wrightson, maestro del terror. Bernie Wrightson.

The house of secrets #105 Jack Sparling.

Creepy #4 Frank Frazetta.

En septiembre 10 portadas más.

Ha muerto Francisco Solano López. (1928-2011)

2011-08-13T12:20:00.003+02:00

Francisco Solano López, uno de los genios de la historieta mundial, murió ayer a los 83 años de edad. Solano López será recordado por ser el dibujante de El Eternauta, con guiones de Hector Germán Oesterheld, sin embargo su carrera está llena de grandes obras.

Empezó en el mundo el comic en 1953 y en 1955 formará parte de la editorial Frontera fundada por Oesterheld que editará revistas como Frontera, Hora Cero y Ernie Pike. En esta editorial colaboraran autores como Alberto Breccia, Hugo Pratt, Arturo del Castillo y el propio Solano López.

El 4 de septiembre de 1957 se empieza a publicar El Eternauta una historia de Oesterheld que Solano López dibujará hasta su finalización en 1959. Como el dibujante había pedido, El eternauta es una historia de ciencia ficción ambientada en Argentina y en el presente. La revolucionaria combinación de realismo y fantasía cautivará a los lectores y se convertirá en un gran éxito.

El protagonista, Juan Salvo, explica al propio Oesterheld la invasión alienígena y la posterior resistencia por parte de unos cuantos supervivientes. Su ambientación en escenarios reales como el estadio de River Plate o la plaza Italia le darán a la obra una fuerza inaudita.

Los textos de Oesterheld, llenos de humanismo y rebeldía, y el trazo poderoso de Solano López no son nada ajenos al éxito de la serie que se convertirá en uno de los máximos exponentes de la historieta sudamericana.

Sin embargo El Eternauta no es la única obra maestra de Francisco Solano López. Evaristo, un genuino comic de serie negra. que realizó junto a Carlos Sampayo a partir de 1980 en revistas como Superhumor y Fierro, es su segundo gran trabajo.
Otra vez anclados en la realidad; los autores de Evaristo explican los casos de un comisario de la Policia Federal de Buenos Aires, Evaristo Meneses, que desarticuló varias bandas de ladrones al final de la década de los 50 y principios de la siguiente. Más que la narración de los casos de un policía real, la serie retrata el ambiente porteño en la época anterior a la dictadura siendo un fiel reflejo de la sociedad de la época y de las causas que desembocarán en el desplome político y moral argentino de los años 70. El trabajo de Solano López es impresionante y consigue que esta obra sea una de las más importantes de la serie negra de los 80 precursora sin duda del boom actual del género.

A principios de los años 60 y después del cierre de la editorial Frontera Solano López colabora con la editorial inglesa Fleetway y realiza series como Kelly's eye, From the vaults of time y varios relatos bélicos.

En 1976 Hector Germán Oesterheld y Francisco Solano López realizan una segunda parte de El eternauta para la revista Skorpio. La historia se situa justo después de la finalización de la primera parte y narra la lucha contra el invasor extraterrestre. Oesterheld, militante montonero por esta época, radicaliza su discurso y convierte la serie en una metáfora política del momento representando a Juan Salvo como a un líder revolucionario audaz e inflexible. En 1977 la dictadura militar secuestra y asesina a Oesterheld y a cuatro de sus hijas, convirtiéndose así en varios de los miles de desaparecidos de la dictadura militar argentina. Solano López empieza la publicación de Slot Barr junto a Ricardo Barreiro y emigra a España por miedo a la represión militar. Ya en España sigue con Slot Barr y crea series como Ana, Ministerio e Historias tristes, Sus últimos años, viviendo primero en Brasil y luego en Argentina, los dedica a realizar nuevas historias de El Eternauta, concretamente en 1997 la primera titulada El mundo arrepentido y en 2001 una segunda parte que obvia completamente la del 1976 y que tiene una continuación titulada En busca de Elena.

Con la muerte de Francisco Solano López desaparece uno de los últimos testigos de una edad de oro del tebeo argentino y perdemos, además, a uno de los más importantes artistas de comic mundial. D.E.P.

Gene Colan, coetáneos y seguidores. HOMENAJE CONJUNTO A GENE COLAN.

2011-08-09T14:50:00.005+02:00

Existe en la carrera de filología una asignatura llamada literatura comparada que estudia la obra de arte respecto a sus contemporáneos e incluso a otras manifestaciones artísticas. En el estudio de los comics se aplica poco esta disciplina quizás porque las comparaciones son odiosas, dicen; pero normalmente lo son porque resultan muy reveladoras. Quiero aprovechar el homenaje conjunto a la figura de Gene Colan - realizado por diversos blogs el último fin de semana de julio - para situar su etapa en la serie Daredevil en su contexto temporal.

Daredevil #19 (Agosto 1966) John Romita y Frank Giacoia.

Cuando Gene Colan heredó la serie de John Romita Sr. - en el nº 20 de septiembre de 1966 - en Marvel reinaba Jack Kirby; Steve Ditko había dejado la serie The Amazing Spider-man, también la compañìa, dando un sonoro portazo. Precisamente fue la oportunidad de tomar la cabecera arácnida lo que hizo abandonar a Romita una serie donde empezaba a familiarizarse con el género. Ya desde el principio Colan le imprimió su estilo a las páginas del comic book y aunque compartieron entintador, Frank Giacoia, ya en el nº 22 podemos ver un ejemplo de las innovaciones del futuro dibujante de Howard el pato. La ciudad de Colan es real, existe y respira mientras que la que dibujó Romita era un mero decorado casi sin personalidad.

Daredevil #22 (Noviembre 1966) Gene Colan y Frank Giacoia.

Precisamente este estilo es el que empezará a aplicar el mismo Romita en su serie de referencia The Amazing Spider-man. En el nº 48 de podemos ver como en su lucha contra el Buitre por el cielo de Nueva York los edificios empiezan a ser reconocibles y la silueta inconfundible del puente de Brooklyn domina el paisaje.

The Amazing Spider-man #48 (mayo 1967) John Romita Sr.

Gene Colan seguía profundizando en su obsesión por el realismo y en estas dos páginas del nº 40 podemos apreciar que tanto el decorado urbano como el mobiliario es perfectamente reconocible. La aventura del diablo escarlata está ambientada en un Nueva York contemporáneo a su publicación y esta ambientación le da un realismo y una verosimilitud muy poderosa.

Daredevil #40 (mayo 1969 ) Gene Colan y John Tartaglione.

No es hasta la llegada de Gil Kane a la colección The Amazing Spider-man (con la imprescinbible ayuda de John Romita a las tintas y Tony Mortellaro a los fondos) que esta corriente toma protagonimo absoluto. Ya desde el primer comic book, el nº 91 de diciembre de 1970, el paisaje urbano es parte imprescinbible de la historia y el realismo es absolutamente omnipresente. Calles, tejados, farolas, ventanas y cornisas nos surmegen en un escenario tan real como apasionante.

The Amazing Spider-man #91 (diciembre 1970 ) Gil Kane, John Romita Sr.

El climax de esta época quintaescencial en la colección del hombre araña y una de las fundamentales en la historia del comic de superheroes se sitúa en los nºs 121 y 122 ( junio-julio de 1973) con la historia titulada La muerte de Gwen Stacy. Atrás quedan episodios fabulosos como los que componen el 91 y 92 con el Hombre de Hielo como secundario y el corrupto Bullit como antagonista o La trilogía de las drogas que abarca los nºs 96 a 98 y que son de mediados de 1971. En esta historia el desenlace se produce en el puente de Brooklyn de donde se despeña la novia de Peter Parker y muere a consecuencia de la caida. El puente ya no es un decorado, un fondo más o menos realista, es un actor más y todo el que lea este episodio no olvidará jamás donde murió Gwen Stacy.

The Amazing Spider-man #122 (julio 1973 ) Gil Kane, John Romita Sr., Tony Mortellaro.

La semilla que plantó Colan y que cuidó en su estancia en Daredevil ha germinado en frutos esplendorosos.
Pero no sólo en Marvel la corriente realista parecía imponerse con fuerza. En la competidora DC andaban un poco despistados hasta que llegó un coloso de la prensa, un tal Neal Adams, y lo revolucionó casi todo. Uno de sus primeros éxitos se produjo al ocuparse de un extraño personaje llamado Deadman que tomó en 1969. Además de sus imaginativas composiciones de páginas y de sus innovaciones narrativas le añadió a la serie un entorno realista considerable haciendo énfasis el característico mundo del circo.

Green Lantern #76 (abril 1970 ) Neal Adams.

Pero no es hasta su paso por la colección Green Lantern con guiones de Denny O'Neil que Adams se surmegirá de pleno en el realismo. Estos episodios que van del nº 76 (abril 1970) al 89 (abril-mayo de 1972) son legendarios por su enfoque realista no sólo en la ambientación como también en los argumentos. Desde la primera historia los autores someten a los dos enmascarados, Green Lantern y Green Arrow, acostumbrados a aventuras cósmicas a un entorno urbano muy concreto y los enfrentan a dilemas muy reales. Racismo, explotación de los pobres, las drogas, la superpoblación o la ecología son los asuntos que los dos vigilantes deberán lidiar. Para hacerlo todo más creible, el trabajo de Adams en la ambientación es modélico dejando además aparcados sus habituales experimentos compositivos en beneficio de la claridad y el naturalismo.
Más tarde en su paso por series como Batman seguirá dando muestras de un realismo casi expresionista que le llevará a colaborar con Marvel en series como X-Men y Los Vengadores.

Daredevil #61 (febrero 1970 ) Gene Colan, Syd Shores.

La innovación artistica que Colan traslado al mundo de los comic books de superheroes supuso un camino por el que transitaron muchos de sus coetáneos y fue una corriente que permitió que surgieran varias de las mejores obras dentro del campo de los vigilantes enmascarados.

Fantastic Four #72 (marzo 1968 ) Jack Kirby. Joe Sinnott.

Con todo esto no quiero desprestigiar a nadie; Jack Kirby con su universo cósmico fue el motor de la silver age, sin duda; Neal Adams aportó un realismo anatómico y una fuerza compositiva inaudítas hasta la época y Jim Steranko revolucionó estética y lenguaje en los comics de superheroes, por poner algunos ejemplos, pero Gene Colan y su Daredevil fueron tan decisivos para la evolución del medio como los citados cosechando además numerosos seguidores

Captain America #111 (marzo 1969 ) Jim Steranko, Joe Sinnott.

De entre los seguidores destacó un joven Frank Miller que se acababa de poner al frente de la parte artística de la serie Daredevil en 1979. En su segunda historia ya nos regala con una secuencia típica del enmascarado de Colan; un paseo por los tejados de la ciudad de Nueva York que se convertirá, a medida que vaya afianzándose en la serie, en un personaje más.

Daredevil #159 (julio 1979 ) Frank Miller, Klaus Janson,

De sobras es conocido que Miller partió de Gil Kane y Will Eisner para encontrar su propio estilo en Daredevil, pero comparando las dos páginas siguientes podemos encontrar poderosas similitudes entre Colan y el autor de Ronin. La ambientación, la atmósfera y los decorados son los que Colan introdujo en la serie.

Daredevil #82 (diciembre 1971 ) Gene Colan, Jack Abel.

Daredevil #169 (marzo 1981 ) Frank Miller, Klaus Janson.

La sensación de realismo, la fascinación por las luces de ciudad y la identificación personaje/entorno serán aspectos fundamentales que el creador de Sin City irá potenciando en su etapa como autor casi único de la serie. Hasta que no entregue la finalización del arte a Klaus Janson, Miller tomará a Colan como una de sus principales referencias.

Daredevil #64 (mayo 1970 ) Gene Colan, Syd Shores.

Daredevil #174 (septiembre 1981) Frank Miller, Klaus Janson.

Un caso más evidente, aún, es el del maravilloso artista David Mazzucchelli. El paladín de la modernidad del comic book USA se fijó en Colan para iniciar su fulgurante carrera,

Daredevil #220 (julio 1985) David Mazzucchelli.

Sus primeros pasos por el comic book de superheroes fueron en Daredevil y su principal referencia fue sin duda Gene Colan. Los encuadres, la definición de las manchas y el realismo ambiental son aspectos que Mazzucchelli asimiló con inusitada rapidez y que le hicieron destacar rápidamente entre los dibujantes del personaje post-Miller.

Daredevil #65 (junio 1970) Gene Colan, Syd Shores.

Entre los nºs 208 a 233 (julio de 1984 a agosto de 1986) y sobre todo cuando se encargó también de las tintas, Mazzucchelli hizo un trabajo muy especial que aunó tradición y modernidad. Y ayudado por Miller en la etapa final introdujo el naturalismo en los comics de Marvel.

Daredevil #225 (diciembre 1985 ) David Mazzucchelli.

Daredevil #36 (enero 1968 ) Gene Colan, Frank Giacoia.

Al final de su estancia en Daredevil le surgió la oportunidad de dibujar la saga titulada Born again guionizada por el mismísimo Frank Miller.

Daredevil #227 (febrero 1986 ) David Mazzucchelli.

Born again es quizás el máximo exponente de la corriente realista en los comics de superheroes. Es su plasmación absoluta y el paso del realismo al naturalismo. Miller y Mazzucchelli convierten el entorno en un motor de situaciones, en una expresión de los sentimientos de los personajes y en una causa de las situaciones. La ciudad aparece en su forma más cruel y explícita y determina el destino de los personajes. Como es costumbre en toda expresión artística, después del realismo aparece el naturalismo y un personaje tan sensible a su entorno como Daredevil dio mucho juego enfocado de esta forma.

Daredevil #230 (mayo 1986) David Mazzucchelli,

Queda claro con este repaso comparado de la importancia de la etapa de Gene Colan por la serie del diablo escarlata. Su legado ha quedado marcado con fuego en la evolución del personaje y en la forma de afrontar el relato superheroico. Pese a la debilidad argumental, su paso por Daredevil quedará como uno de las más influyentes en la renovación estética de los comic books de superheroes de los 70 y más allá.

Long life to the dean!

Daredevil #232 (julio 1986 ) David Mazzucchelli.

Este homenaje lo realizamos los blogs siguientes: 999, Llámame Plissken, El lector impaciente, Gotham News, Safari nocturno, Pecios, Travellings en los surcos, en este blog La canción de Tristan y en Comic is art donde los podéis encontrar perfectamente enlazados al final del post.

Las portadas del mes. Agosto (especial terror1)

2011-08-01T16:38:00.017+02:00

Las portadas de este mes son terroríficas. Cada cuatro meses dedico esta sección a un género y la amplío a 2 tandas de 10 portadas cada quince días. Este agosto toca terror y si os gustan dentro de dos semanas tendréis otra ración. ¡Disfrutadlas!

Black Cat Mistery #51 Warren Kremer (y Lee Elias?)

Creepy #101 Special issue. Richard Corben.

Venus #19 Bill Everett.

Crime Suspenstories #23 George Evans.

The House of Mistery #174 Nick Cardy.

Crime Illustrated #1 Joe Orlando.

Crack Comics #51 Reed Crandall.

The Vault of Horror #30 Johnny Craig.

Creepy things #5 Rich Larson.

Ghost Comics #10 Maurice Withman.

Aunque dentro de poco estaré de vacaciones; los portátiles permiten hacer muchas cosas. Por lo que si os este verano os entra el aburrimiento podéis pasar por aquí que espero actualizar al ritmo habitual. Felices y terroríficas vacaciones a los que las tengáis. ¡Hasta pronto!

Gene Colan y la obsesión por el realismo. HOMENAJE CONJUNTO A GENE COLAN.

2011-07-30T17:00:00.001+02:00

En la primera página del nº 20 de la colección de Daredevil se puede ver al protagonista irrumpiendo por una ventana en una habitación llena de criminales; al fondo se divisa un paisaje urbano con perfecta nitidez. Ya desde su primer dibujo para la serie Gene Colan quiso dejar claro que sus personajes se moverían en un entorno perfectamente reconocible. Colan dejó bien claro desde el principio su obsesión por el realismo.

Para entender la importancia del salto evolutivo que Colan impulsó en los comic books quería destacar algunas fechas. Daredevil #20 es de septiembre de 1966. obras similares como podrían ser por ejemplo la etapa de Green Lantern y Green Arrow de Dennis O'Neil y Neal Adams empieza en abril de 1970, el primer Nick Fury, agent of S.H.I.E.L.D. es de 1968 y Spider-man, La trilogía de las drogas de Stan Lee, Gil Kane y John Romita es de 1971. Resulta evidente que Colan participó de forma prominente en la primera renovación de los comics de superhéroes junto a Neal Adams, Jim Steranko, Barry W.Smith o John Buscema.

En el nº 26 (mayo de 1967) Colan nos obsequia con esta maravillosa secuencia que podemos ver en la página de abajo. En ella Matt Murdock, disfrazado de Daredevil, se desplaza por las calles de Nueva York a la vista de todo el mundo. La ciudad ya no es un decorado, la ciudad es parte integrante de la acción y el dibujante se esfuerza por hacer reconocibles los lugares escogidos. Por primera vez un superheroe se mueve en un entorno real y no por un paisaje cósmico, en el mejor de los casos, o por delante de una especie de telón búrdamente pintado. El resultado es una nueva manera de realizar los comics superheróicos.

¿Pero es responsabilidad exclusiva de Gene Colan este enfoque? Podemos dividir el paso de Colan por Daredevil en tres etapas. Desde su primer episodio el nº 20 hasta el 49; del 53 hasta el 86 y finalmente del 87 - cuando la serie se traslada a San Francisco - hasta el 98 que es el último número regular de Gene ya que se encargaría del 100 a modo de homenaje. Durante estos casi 7 años que permaneció en la serie colaboró con diversos entintadores y es en función de la calidad de éstos que el dibujante acentúa el realismo en sus páginas. Syd Shores, Frank Giacoia y Tom Palmer fueron los que mejor supieron resaltar el trabajo del maestro.

En cuanto a la responsabilidad de Stan Lee, el autor lo deja muy claro en dos entrevistas publicadas en Alter Ego #6 y Comic Book Artist #13, realizadas por Roy Thomas y Tom Field y traducidas en Entrecomics por El tio Berni. En ellas Colan explica de manera explícita la distribución de tareas en la realización de Daredevil.

"P: ¿Escribía por aquel entonces Stan los argumentos, o lo hacía mayormente por teléfono?

GC: Yo grababa nuestras conversaciones telefónicas, y después repasaba la grabación. Otras veces me enviaba unas páginas con unos pocos párrafos...

... GC: Bueno, Stan llevaba tantos títulos que permitía a los artistas hacer la mayor parte del trabajo en lo que respecta a distribuir el espacio y el abocetado, de modo que cuando veía los originales todo lo que tenía que hacer era escribir los bocadillos".
Más claro imposible. Es por lo tanto evidente que Gene Colan fue el principal impulsor del realismo geográfico y ambiental de Daredevil.

Sentadas las bases estilísticas de la serie Colan se dedica a pasear su protagonista por los lugares emblemáticos de Nueva York, un poco como hacía Alfred Hitchcock en sus películas. Para ello intercala en la acción escenas de desplazamientos que a veces duraban dos o tres páginas y que debieron ser sus momentos favoritos a la hora de realizar cada episodio.

En la misma entrevista (la de Roy Thomas) Colan explica de manera muy franca su método de trabajo respecto a Dr. Stange pero que es perfectamente aplicable a Daredevil:

"GC: Quería darle realismo (...) así que fuí con una cámara Polaroid... y la usaba en función del argumento para hacerlo incluso más real...

Siempre iba a cualquier sitio de Nueva York - Empire State Building, cualquier lugar conocido, Radio City, lugares que la gente reconocería - y trataba de situar a los personajes allí, incluso si el comic nunca lo mencionaba o lo pedía. Me imaginé que si estaba volando por la ciudad, sería bueno ponerlo en lugares familiares, y disfruté de la autenticidad que suponía. Se convirtió en divertido. Creo que los artistas han de tener inventiva".

Lo que está claro es que imágenes como la página de abajo no las consiguió sólo con la Polaroid. Colan usó un poco de su inventiva.

Tras un paréntesis de tres números (curiosamente los 50, 51 y 52) dibujados por un primerizo Barry W.Smith, el dibujante neoyorquino vuelve a la carga con renovados brios y con una espectacular splash page inicial sienta las bases de su segunda etapa.

El realismo en los comics apareció en las strips de prensa de la mano de dibujantes como Roy Crane, Milton Caniff o Alex Raymond - en Rip Kirby - que llegaron a usar modelos para representar sus personajes. Will Eisner al acabar la II Guerra Mundial marcó a varias generaciones con su cuaderno dominical dedicado a The Spirit. En los 50 una nueva hornada de dibujantes exploró esta faceta incluso en las series alejadas de la época actual (Casey Ruggles y Lance de Warren Tufts) o de temática fantástica como Flash Gordon de Dan Barry y Tarzán de Russ Mannig. Esta corriente tardó en trasladarse en el comic book de superheroes y no es hasta la llegada de Colan a Daredevil que toma su forma definitiva.

La llegada de Syd Shores en el nº 55 (agosto 1969) marca el punto álgido de esta forma de enfocar la serie. Gene Colan estuvo siempre muy satisfecho de Shores como entintador y juntos realizan unos números donde el entorno toma un protagonismo inusual, no sólo la ciudad, también el ámbito rural o ciudades centroamericanas son tratadas con una gran fidelidad. También hay que resaltar el espléndido trabajo en decorados interiores de apartamentos, castillos o tiendas.

A partir del nº 87 la vida de Matt Murdock experimenta un giro radical al trasladarse a San Francisco acompañado de la Viuda Negra, co-protagonista de la serie.

Coincidiendo con Tom Palmer a las tintas, que luego le acompañará con tanto éxito en The tomb of Dracula, Colan consigue una última vuelta de tuerca al integrar perfectamente la pareja protagonista por edificios y calles que en principio eran muy ajenos a la serie. Las inclinadas avenidas californianas son perfectamente reconocibles así como sus principales construcciones emblemáticas siempre integradas de manera armónica en la trama.

Es por eso que tras finalizar su principal etapa en el nº 100, la huella que dejó Colan en la serie fue imborrable. Fue el primero en darle un estilo reconocible, propio y original influyendo, también, decisivamente en la renovación del género superheroico y en su adecuación a los gustos del público de la época. Además, Eugene "the Dean" Colan trazó con mano firme una avenida por la que transitaron innumerables autores posteriormente.

A partir de una iniciativa propuesta por Mo Sweat, autor del blog Comic is art, varios aficionados nos hemos sumado a este homenaje a Gene Colan durante el último fin de semana de Julio de 2011. A continuación tenéis un listado de los diferentes sitios participantes.

El Superman de Gene Colan en 999 por Bruce.

Fuerza nocturna: los expedientes del Barón Winters en Llámame Plissken por Plissken.

Las mujeres de papel de Gene Colan en El lector impaciente por PAblo.

Dracula en Gotman news por Carlos.

Gene Colan en Safari nocturno por David.

Como el fin de semana no ha terminado permaneced atentos a la blogosfera ya que aparecerán más homenajes. Aquí en este blog también... casi seguro.

Novedades del mercado. Verano 2011.

2011-07-07T23:56:00.010+02:00

Esta siendo un verano calentito, más que en lo climatológico, en cuanto a novedades en el mercado del tebeo. En mi opinión el bombazo del semestre y probablemente del año es la publicación del tomo 1 de las tiras diarias de Flash Gordon de Dan Barry y equipo por parte de Panini. Flash Gordon fue creada por Alex Raymond en los años 30 y constituyó una de las series más influyentes del comic de aventuras a nivel mundial.

Tras la marcha de Raymond la serie languideció y finalmente se dejó de publicar. Más que por la falta de buenos dibujantes por la falta de ideas innovadoras respecto al personaje; Austin Briggs uno de los continuadores, por ejemplo, fue un gran historietista y principalmente un gran ilustrador. En 1951 los responsables de King Features Syndicate le encargan a Dan Barry que recupere el personaje y le dé un nuevo empujón; éste se aplica a la tarea empezando por las tiras diarias y reconvirtiendo la strip en una serie de ciencia ficción modélica. Cajas del tiempo, saltos espaciales, telekinesis, máquinas que conceden deseos y prisiones en el espacio serán los argumentos que Barry y equipo desplegaran ante una admirada audiencia. Flash Gordon se convertirá así en una de las mejores tiras de la segunda mitad del siglo XX y en un auténtico carrusel de ideas innovadoras realizadas con un arte exquisito. En el capítulo del equipo la nómina de guionistas y dibujantes que participaron ayudando a Barry es inmensa: Harvey Kurtzman, Harry Harrison, Robert Kanigher a los guiones y Sy Barry, Frank Frazetta, Roy Krenkel, Al Williamson, Leonard Starr, Wally Wood, Paul Norris, Jack Davis, Bob Fujitani, Russ Heath... al arte.

Estamos ante una edición que me atrevo a calificar de histórica por ser la primera hecha desde el respeto a la obra original, que incluye viñetas y hasta tiras inéditas y que engloba la primera etapa de una de las mejores obras del comic de aventuras de todos los tiempos. Esperemos que tenga continuidad.

Aleta continua con la publicación de Julia, la serie policiaca guionizada por Giancarlo Berardi y dibujada por diferentes artistas de la factoría Bonelli. Este segundo tomo está compuesto por dos historias que datan de 1998 y 1999. La primera, En la mente del monstruo, es la conclusión de la historia que se desarrolla en el primer tomo. Dibujada por el artista argentino Gustavo Trigo podemos asistir al enfrentamiento final entre el monstruo del título y la criminóloga con físico de Audrey Hepburn. Un episodio final que no desmerece los dos anteriores. La segunda historia titulada Diluvio de fuego, dibujada por Pietro Dall'Agnol, es autoconclusiva y es un relato que profundiza en el misterio de las motivaciones criminales, más concretamente de un incendiario. Julia es un comic convencional, bien escrito y dibujado correctamente que engancha y entretiene. Una muestra del talento de Giancarlo Berardi que espero que las ventas acompañen y podamos seguir disfrutando. De momento en Italia se han publicado más de 150 episodios. A ver.

Four color fear es un precioso título para una recopilación de historias de terror de los años 50 fuera de EC Comics. Eran raciones de terror a 10 centavos. Dibujadas por artistas tan maravillosos como Bob Powell, Reed Crandall, George Evans, Jack Cole o Joe Kubert y Wally Wood estas historias son una muestra de los vientos de renovación que soplaban en los comic books norteamericanos. Poco importa si quien publicó la primera historia de terror fuera EC, Atlas o cualquier otra editorial lo que es evidente es que era lo que demandaba un público ávido de emociones fuertes y que encontró sobre todo en los comics editados por William Gaines una diversión de calidad, moderna y no exenta de reflexión. Editoriales como Harvey, Atlas, St. John, ACG, Avon, Quality Comics... estaban a la sombra de EC Comics, sin embargo algunas historias recopiladas en este tomo no desmerecen en absoluto las escritas y dibujadas por Craig, Krigstein, Kurtzman, Davis y compañía. Otras son material más discutible que tienen el valor de reflejar la delirante creatividad de la serie B y del comic de terror de los 50; lo que Absence describe en una serie de 18 posts en El blog Ausente con el magnífico título de aterrorizando el american way of life. Personalmente a mí lo que más me ha interesado de la recopilación hecha por Greg Sadowski es poder disfrutar de cuatro historias de Bob Powell en castellano y de leer al gran Jack Cole en un registro semi-realista y ver que Basil Wolverton cuando se tomaba en serio a sí mismo era aún más gracioso.

Entre las historias destacan; Colorama de Powell, The corpse that came to dinner de Crandall, The thing from the sea! de Wood, Cat's death de Kubert, Yo vampiro de Howard Nostrad, la increible y alucinante The wall of flesh de Powell o Pacto con el Diablo de Jack Cole.
Son historias que se pueden encontrar en blogs como Hairy Green Eyeball 3, The Comic Book Catacombs y sobre todo en The Horrors of It All, conocido también como THOIA toda una institución en el género.
Con la publicación de Four Color Fear por parte de Diábolo Ediciones se culmina una terrible paradoja que describe como pocas nuestro mercado editorial. Los comics de serie A, los que fueron modelo, los que marcaron tendencia, los EC Comics han sido editados aquí en unos tomos diminutos, en blanco y negro y casi de tapadillo y sin embargo los de clase B - aunque en la recopilación están incluidas historias magníficas - los podemos leer en color, en un tamaño correcto y en una edición muy digna. Es evidente que esta vez la culpa no es del Diábolo sino de nuestros propios monstruos editoriales.

Informe sobre ciegos es hipnótica; te sumerge en la locura y no te deja escapar hasta que giras la última página dejándote un amargo sabor de boca. Informe sobre ciegos es un tratado bastante fiel de la locura, más concretamente de la paranoia; Informe sobre ciegos es el retrato de una obsesión.
Alberto Breccia adaptó al comic una parte de la novela Sobre héroes y tumbas de Ernesto Sábato. Con su habitual maestría artística acompaña a Fernando Vidal Olmos en su particular descenso a los infiernos y para ello utiliza todos los recursos gráfico-narrativos que ya expuso en Los mitos de Cthulhu. El collage, los contrastes violentos de blanco y negro y las formas abstractas se combinan perfectamente con la prosa de Sábato para crear una obra magnífica. Astiberri, además, lleva a cabo una edición muy correcta con lo que el goce es completo.

Del mercado de importación me gustaría destacar varias obras.
Hace tiempo que no me acerco con interés o curiosidad al mundo superheroico pero la miniserie Daredevil reborn, a pesar de su oportunista título, me ha sorprendido.

El dibujo y la narrativa de Davide Gianfelice tienen esa mezcla de modernidad y tradición que hacen que uno se acerque a la historia y proporciona momentos realmente inspirados. La historia de Andy Diggle es un poco más tópica pero correcta y Matt Hollingworth se luce coloreando. Si las portadas son de Jock (Mark Simpson) el portadista de Scalped pues el resultado es un comic de grapa algo más que digno.

Johnny Comet es quizás el mejor trabajo de Frank Frazetta en comic. La editorial Vanguard edita en tapa dura o blanda el primer volumen que comprende las tiras de enero de 1952 a enero de 1953 y las sundays de 3 de febrero de 1952 a 1 de febrero de 1953.

Son tiras dinámicas, nerviosas casi expresionistas que tratan el mundo del automovilismo deportivo. Coches, chicas y chico guapos y tramas sencillas hacen de Johnny Comet una serie de fácil lectura y agradable a la vista. Más interés tiene las páginas dominicales donde el arte de Frazetta brilla con más intensidad. Una reedición más de un clásico norteamericano que se suma al inmenso catálogo de novedades en este género.

Sobre la recopilación de la páginas dominicales Captain Easy de Roy Crane ya os comenté la impresión que me produjo el volumen 1. Sólo quiero reseñar que ha salido el volumen 2 con las sundays de 1936 y 1937 y que es una delicia. Fantagraphics está realizando una enorme labor no sólo con este título sino con muchos otros y esperemos que pronto saque una edición con las tiras diarias. Puede ser memorable.

Por último y a modo de inventario comentaros que gracias a mi librero de cabecera he podido hojear el enorme tomo titulado Forgotten Fantasy que recopila sundays de los primeros años del siglo XX que han pasado desapercibidas en los libros de historia.

Destacan tres series. La increible y maravillosa Naughty Pete de Charles Forbell que parece el abuelo de Chris Ware y que sorprende por moderna y por buena. The Explorigator de Harry Grant Dart que es una delicia visual y Los Kin-der-Kids de Lyonel Feininger que a tamaño natural impresiona mucho mas. Una edición apabullante con un precio igual de apabullante 125€. Una esplendida recopilación de Peter Maresca que he podido hojear con todo el cariño. Casi pido una hipoteca y me hago con ella.

Postdatas variadas: Los intentos de Panini de publicar a Jack Kirby (Journey into mistery, Captain America) me parecen fallidos y decepcionantes, así como la edición del Superman vs Muhammad Ali de Neal Adams por parte de Planeta. Recolorear a los maestros de esta manera debería ser delito; aunque venga de los USA. En cambio el primer tomo recopilatorio de La Imposible Patrulla-X que abarca toda la etapa desde la refundación del grupo, - el Giant-size #1 hasta la mitad de la etapa de John Byrne, el #121 USA - es una maravillosa edición. El tamaño adecuado, el papel poroso y los colores originales permiten disfrutar del arte de David Cockrum y Byrne en todo su esplendor. Si pensamos que en el segundo tomo estarán las sagas de Proteus, Fenix Oscura y Días del futuro pasado la dicha es total. Imprescindible.
Hasta aquí este repaso a la actualidad. El verano promete seguir animado. En este blog pasarán gente como Gene Colan, algún que otro maestro olvidado y las secciones habituales. Salut!

Las portadas del mes. Julio.

2011-07-01T09:16:00.008+02:00

Con el calor estival llegan las portadas del mes de julio. Una muestra variada y diversa de las portadas que se han publicado y se publican por el mundo. Espero que os gusten

Skorpio #25 Manfred Sommer.

True love #1 Dave Stevens.

The Spirit Magazine #31 Will Eisner.

Prision break! #4 Everett R.Kinstler.

Jerry Spring, l'or de personne. Joseph Gillain "Jijé"

Tarzan #236 Joe Kubert.

Spy 13 #266 Giorgio D'Gaspari.

Futuro #16 Ripoll G.

Zap #3 Rick Griffin.

Wildcats, Edición Europea #1 Travis Charest.

El mes que viene toca serie temática. Pero no os asustéis que 30 días pasan muy rápido. Saludos.

Homenaje a Gene Colan. (1926 - 2011)

2011-06-24T17:45:00.003+02:00

Gene Colan: "El hombre que pintaba con sus lápices".

Gene Colan, otro de los grandes artistas que han repartido su arte durante más de medio siglo por los comic books norteamericanos, murió ayer 23 de junio de 2011 a los 84 años. Daredevil, The tomb of Dracula, Detective Inc., Captain America, Nathaniel Dusk, Dr. Strange, Wonder Woman, Howard the duck y Jemm son of Saturn son algunos de sus mejores trabajos. D.E.P.

El asombroso (y maravilloso) arte de Floyd Gottfredson.

2011-06-19T01:30:00.003+02:00

Últimamente el mercado depara pocas sorpresas y casi ninguna alegría; Scalped, el Julia de Berardi, algún que otro album de Taniguchi o Peeters y poco más. Por eso me refugio muy a menudo en el floreciente mundo de la edición de clásicos norteamericanos. Desde Terry and the pirates y Polly and her pals de IDW, Prince Valiant de Fantagraphics, a los tomos casi suicidas de Feininger o Warren Tufts de Manuel Caldas. Es un mercado maravilloso pero con pocas sorpresas; uno juega sobre seguro y normalmente gana. Por eso cuando he abierto el primer tomo de la edición de las tiras de Mickey Mouse de Floyd Gottfredson editada por Fantagraphics la sorpresa y el asombro han sido mayúsculos.

Y es que uno se esperaba un recopilatorio de aventuras canónicas y primorosamente narradas al estilo de la época clásica de Gottfredson (años 40) en la serie. En su lugar me ha estallado en ojos y manos un torrente de furia, una riada de gags, un vendaval de persecuciones y una erupción de talento que me ha arrastrado primero hacia la sorpresa para más tarde llevarme al entusiasmo. Race to the Death Valley recopila, sobre todo, los dos primeros años del dibujante de Utah en la serie estrella de la factoría Disney y comprende las 14 primeras aventuras que abarcan del 13 de enero de 1930 al 9 de enero de 1932. Gottfredson se incorpora a la serie ya empezada la segunda historia precisamente la que da título al recopilatorio.

El arte de Gottfredson se muestra en todo su esplendor; desde un dibujo ágil, suelto y vigoroso a encuadres originales como el de la primera viñeta de la tira superior a soluciones narrativas de maestro como el diálogo de hasta 5 personajes montados a caballo perfectamente resuelto en una sola viñeta como podemos ver abajo.

No es dificil ver en las influencias del autor norteamericano una pizca de Herriman, un poquito de Billy deBeck y un mucho de Rudolph Dirks. Contemporáneos y muy cercanos a él serán el primerizo Hergé y el más experimentado E.C.Segar y su Thimble Theatre pre Popeye. Sus seguidores son legión. Desde los que lo reconocen como Franquin y Jesús Blasco, los que aprenden de sus enseñanzas tipo Ángel Puigmiquel, Benito Jacovitti o Josep Coll a los que directamente lo homenajean como Robert Crumb, Rick Griffin, Javier Mariscal o Vaughn Bodé. Esto por no hablar de los centenares que simplemente lo copiaron en multitud de paises.

El Mickey Mouse de los primeros años es un personaje radical, sin trabajo que sobrevive en un mundo muy duro fiel reflejo de la depresión consecuencia del crack del 29. No es el personaje edulcorado de décadas posteriores. Por eso conectó muy fuertemente con las clases populares que se vieron reflejadas en este aventurero que busca cualquier medio para subsitir y ser feliz con su querida Minnie.

Gottfredson empezará a dibujar la tira el 5 de mayo de 1930 por lo que el primer mes de la segunda historia corre a cargo del entintador habitual de la strip Win Smith que realizó un trabajo excelente como podemos ver en la tira de abajo correspondiente al 16 de abril.

(tira de 05 05 1930. Primera de Floyd Gottfredson) (tira del 16 04 1930 de Win Smith)Leer esta serie es un placer extraordinario ya que se suceden los gags sin parar, se encadenan las persecuciones y el puro slapstick se combina con guiones cada vez más elaborados y cada vez más convincentes. La persecución de Pete y su ayudante a Mickey y Minnie en el tren será dificilmente superada por Hergé en años posteriores. La escena del desierto, las de la granja y el circo entre muchas otras son ejemplos de como narrar y como divertir al lector sin caer en la redundacia.

Una de las escenas más curiosas de este período es la del reiterado intento de suicidio del protagonista, que acaba siempre en fracaso. Con toda naturalidad Gottfredson utiliza un desengaño amoroso de Mickey para hacer una serie de gags sobre el tema que seguramente no escandalizaron a nadie en su época. Una muestra de la extraordinaria naturalidad de estos primeros años de la serie.

Finalmente el album de Fantagraphics recoge la primera historia de Mickey Mouse en comic de prensa con argumento de Walt Disney y realizada por Ub Iwerks. Se titula Lost in a desert island y abarca el período comprendido entre el 13 01 1930 al 31 04 1930. Son 61 tiras del creador gráfico de Mickey que realmente dan fe del talento de este maestro de la animación que acompañó al bueno de Walt los primeros años de su carrera.

En definitiva nos encontramos ante un primer tomo recopilatorio de una serie fundamental en la historia del comic realizada por uno de los más grandes genios del medio; el gran Floyd Gottfredson. Una tira maravillosa que eso sí nunca firmó. Pero esto ahora a quien le importa.

Librerías del mundo (4) BdMania. Lisboa.

2011-06-11T18:51:00.020+02:00

Lisboa es una ciudad preciosa que no conocía y que me encantó. Por razones profesionales estuve unos 5 días y recorrí una gran parte de la ciudad. Finalmente pude liberarme unas dos horas para visitar esta librería. A continuación me gutaría compartir con vosotros mis impresiones; es la cuarta entrega de la serie de librerías de comics del mundo.

BdMania está situada en Rua das Flores, 71 en pleno centro de la capital portuguesa; muy cerca del Barrio Alto. Está a dos minutos del Chiado donde se paseaba el poeta Fernando Pessoa. Su superficie es de unos 70 m2, es tienda única y la llevan 4 personas. A mí me atendió Nuno que se encargó muy amablemente de responder mis preguntas.

La tienda está abierta desde 1995, está especializada principalmente en comic de importación norteamericano y japonés a parte de las novedades nacionales. Tienen servicio de Prewiews y un surtido apreciable de figuras y gadgets. La empresa es también editora de comics y ha lanzado una docena de títulos en 5 años.

Antes de pedirles permiso para hacer el reportaje adquirí el primer numero del recopilatorio de Dark Horse de La espada salvaje de Conan que me costó unos 20€ que aboné religiosamente porque como no me canso de repetir esta sección es para informar a mis posibles lectores y no una excusa para sablear a nadie. Por cierto es sorprendente la cantidad de obras maestras que se acumulan en este tomo; Clavos rojos, Nacerá una bruja, La hija del gigante helado, Sombras de hierro en la Luna...

Lleno de ingenuidad le pregunté a Nuno por ediciones de clásicos portugueses, principalmente de Eduardo Texeira Coelho, y desgraciadamente me explicó que en Portugal no existían recopilaciones de sus autores más destacados. Por contra me mostró un tomo de Marvel Fairy Tales con cuatro historias de las que tres estan dibujadas por artistas portugueses; a saber Nuno Plati, Joao Lemos y Ricardo Tercio.

En definitiva, BdMania es una buena tienda de comics donde puedes encontrar las últimas novedades en portugués y todo lo nuevo en comic norteamericano tanto mainstream, como independiente y clásico. Si buscas material antiguo de Portugal, mejor inténtalo en las tiendas de libros antiguos. Mis dos horitas no dieron para tanto.

BdMania: Rua das Flores, 71 - Loja - 1200 - 194. Lisboa. Tlf: 21 346 12 08. Abierto de lunes a sábado de 10:30 a 19.30 h. http://www.bdmania.pt/ clientes@bdmania.pt

Las portadas del mes. Junio.

2011-06-01T22:30:00.002+02:00

La habitual ración de portadas promete. Este junio toca un surtido variado lleno de talento, belleza y emoción. Miller, Powell, Giner, Sommer... apellidos ilustres para la sección más recurrente de este blog.

Shadow Comics #1 Bob Powell.

Fábulas #8 James Jean.

Superman, the secret years #3 Frank Miller.

Cimoc #28 Manfred Sommer.

El inspector Dan, el resucitado. Eugenio Giner.

El Víbora, especial primavera #158 Liberatore.

Broadway romances #1 Bill Ward.

Almanaque El Coyote 1951. Francisco Batet.

Love and rockets, short stories. Jaime Hernandez.

The complete Torpedo vol. 3 Jordi Bernet.

... y Bill Ward y James Jean y Francisco Batet... el mes que viene otros 10 más. Salut!